quebiensestaenlacamita

domingo, 12 de agosto de 2007

guauuuu

BARBARELLA
Título original: BarbarellaDirector: Roger VadimInterpretes: Jane Fonda (Barbarella), John Philip Law ( Pygar el Angel), Ugo Tognazzi (Marc Hard), Milo O'Shea (Duran Duran)
Que contar de la película más kitch de toda la ciencia ficción. Un film cuyo comienzo y quizás momento más memorable no es otro que el streptease espacial en gravedad cero de toda una diva como Jane Fonda.
Basada en la serie de Comics de Jean Claude Forest y concretamente la película adapta parte de Drole de Jeux, publicado en V MAGAZINE en 1963. Hay que reconocer que la peli en si no es gran cosa vista hoy en día y que el argumento deja mucho que desear.
Barbarella, astronavigatrix en permanente viaje de placer, recibe una misión del presidente de la República Terrestre, lugar lleno de armonía y amor (¿?). Tiene que encontrar al desaparecido Dr. Duran Duran (sí, el grupo tiene el nombre por este personaje y eso explica muchas cosas), creador del rayo positrónico y que puede hacer renacer la guerra en el universo. En su búsqueda Barbarella chocará con personajes de lo más freak, hasta llegar a la ciudad de Sogo (sodoma y gomorra en versión psicodélica) gobernada por el Tirano Negro y sita sobre un lago vivo y lleno de mal, el Matmos, donde se esconde Duran Duran y su secreto.
La estética es sencillamente genial por su "plasticidad", el espacio parece un viaje de ácido, los vestuarios son originales y extravagantes, y que decir de la nave espacial forrada entera de pelo en su interior, con un cuadro de Monet y cama transparente. El vestuario de Barbarella merece mención especial porque viste 8 modelitos de Rabanne a cual más sensual. Parece que la preocupación de Vadim, marido de Fonda, era desnudar a su mujer sin que se vea todo pero que se intuya. Así en sus trajes predominan las transparencias, la escasez de tela y el talle ajustado.
De los personajes solo decir que están muy claros, el malo es muy malo (Duran Duran y la Reina), el bueno es muy bueno (el ángel Pygar), el macho es muy macho (el vigilante) y la fémina es muy fémina. Y la estrella es sin duda Jane Fonda, quien borda el papel de Barbarella, dándole el punto perfecto entre la inocencia de una virgen desatada y una James Bond galáctica, que hace que Barbarella esté como esté, siempre fantástica (ya se la coman a mordiscos los muñecos de unos odiosos niños o sea atravesada a picotazos por unos nada dulces pajaritos).
Un punto de inflexión en la trama y para el desarrollo del film es el momento en que Barbarella descubre el amor físico, lo que hace que no quiera hacerlo de otra manera. Este hecho es fundamental cuando Duran intenta matar a Barbarella, con su máquina que produce múltiples orgasmos hasta matarte de placer. Pero Barbarella es tan fuerte que quema la máquina y Duran sólo tiene una respuesta: ¿qué clase de mujer eres?, ¿es que no tienes vergüenza?.
En definitiva psicodelia pura y dura para una película que no deja de ser una comedia espacial con un componente erótico para una época llena de tabúes sexuales y en la que una espectacular Jane Fonda deja sin hipo a cualquiera.

genial sellers

¿Qué tal, Pussycat? 1965 (What´s new, Pussycat?)
Director: Clive Donner Guionista: Woody Allen Intérpretes: Peter O´Toole, Peter Sellers, Woody Allen, Ursula Andress, Romy Schneider, Capucine. Nominada al Oscar por la canción What´s new, Pussycat, de B. Bacharach y Hal Davis.
Que se puede decir de una película que pone juntos en la pantalla al incomparable Woody Allen y al inimitable Peter Sellers, pues que es toda una locura, una bendita locura. Tras su experiencia en el televisión, con esta película Allen tuvo su debut cinematográfico, contando con un reparto extraordinario. Cuenta la leyenda que una noche de 1964, en el local Blue Angel, Shirley MacLaine y el productor C.F.Feldman, rieron sin parar con una de las actuaciones de Allen, que al día siguiente ya tenía la propuesta de hacer esta película, que aceptó a cambio de 35000$ y un papel como actor.
Esta alocada y pícara comedia nos presenta a Michael James, reputado playboy, director de la más prestigiosa revista de moda parisina, siempre rodeado de problemáticas mujeres de tendencias muy promiscuas. Michael es incapaz de ser fiel a su prometida, en parte porque todas las mujeres a las que conoce experimentan una irresistible atracción por él. En un intento de enderezar su compleja vida amorosa, acude a buscar ayuda al Dr. Fritz Fassbender (Peter Sellers). Por desgracia para él (no para los espectadores), Fritz es un psiquiatra demencial cuya obsesión por el sexo es todavía mayor que la de Michael y que, en lugar de ayudarle a superar su problema, contribuirá a convertir su vida en una montaña rusa llena de situaciones propias de las películas de los hermanos Marx, de piernas bonitas y complicaciones sentimentales.

El film nos brinda la ocasión de disfrutar por primera vez como actor a Woody Allen como un asombroso personaje, con su torpeza y su dolor de vivir, con su timidez y sus dudas de individuo incomodado. Su aparición en el film es reveladora para el futuro de su cine, su personaje hacía trampas jugando al ajedrez en la Closerie des Lilas y un tal Peter O`Toole iba a robarle su novia, pero Woody Allen imponía su personaje, sus obsesiones, sus temas, sus torpezas y sus desdichas, que se convertirán en el sello de la casa.

La película no pasará a la historia del cine por su resultado global, sin embargo nos regala alguna que otra escena delirante. El retrato conseguido por Sellers de psiquiatra salido es impagable, con una escena inicial con su esposa acusándolo de adultero lascivo y Sellers buscando su significado en el diccionario, se recoge en numerosos libros de diálogos cinematográficos. Hilarante es también la stripper, aspirante a poetisa y suicida de vocación que acosa al protagonista. De igual manera que en la mente de todos quedará la frase “Es todo lo que me puedo permitir” que Allen espeta a O´Toole en relación a su trabajo como vestidor de las strippers, como culmen a un gag memorable.

Si hay algo que no se os olvidará fácilmente de esta película y que repetiréis hasta la saciedad es la frase que le da título, “What´s new pussycat?”. Por supuesto lo haréis al ritmo de la melodía del film y con la voz del personalísimo y omnipresente Tom Jones. En esta cancioncilla están gran parte de las razones que han hecho de esta película un objeto de culto para muchos cinéfilos. Woah, Woah, Woah….

ELECTION, JOHNNIE TOO

En ocasiones hay películas que pasan desapercibidas para luego ser descubiertas como pequeñas joyas. Uno de estos casos ha sucedido estas navidades ante el aluvión de producciones made in USA. La joya de la que habló no es otra que “Election” de Johnnie To, que aún viniendo avalada por el premio a la mejor dirección en Sitges, ha tenido que conformarse con cines pequeños y unas pocas semanas en cartel, pero el boca a boca hará que sobreviva en la mente de los aficionados al cine.

En el film se nos presenta el apasionante mundo de las triadas por medio del proceso que sucede cada dos años para los miembros más veteranos de la tríada más antigua de Hong Kong –la Wo Shing Society– de elegir a su nuevo líder. Dos son los candidatos, Lok, favorito para ganar y fiel seguidor de las tradiciones, y su rival, Big D, quien no duda de ir contra las tradiciones tratando de influenciar en el voto con el dinero y la violencia. La desaparición de un bastón de mando cuya posesión simboliza la jefatura de la triada complicara más las cosas.

Un elemento a destacar en el film, es que casi no se ven armas de fuego, lo cual responde al deseo del director de dotar a la película del mayor realismo y similitud con los hábitos de las triadas, las cuales en raras ocasiones acuden a la contratación de profesionales para la resolución de sus asuntos. De igual forma las personas que forman dichas sociedades son de lo más normal y vulgar sin ese toque artificial de sofisticación tan repetido en otros films. Estos tipos resuelven sus diferencias a golpes, navajazos o pedradas.

Dentro de este realismo hay que destacar la labor de documentación de To, quien además de leer todo tipo de libros sobre las triadas y sus rituales se entrevistó con muchos de los líderes locales para recabar información de primera mano. Como anécdota decir que varios de los miembros de la triada que salen en el film lo son realmente en la vida real.

El film si nos muestra una realidad, la desaparición del respeto a las tradiciones por parte de los jóvenes, quienes actúan con violencia desmedida y únicamente movidos por el dinero sin regirse por esa ética que siempre ha estado presente en estas instituciones. Sirve el film para demostrar que tampoco las autoridades chinas han sido capaces de acabar con la organización, la cual forma parte de la realidad de Hong Kong y es bien conocida por las autoridades locales. Además el film está lleno de escenas cargadas de humor negro y crudeza hilvanadas al ritmo de la música, hecho que nos hace sentirnos ante lo que bien podríamos llamar el Reservoir Dogs Hongkonés, el cual recomiendo que veáis y disfrutéis bien en el cine o en el socorrido dvd. Todo para poder responder la pregunta “¿Podrá la Wo Shing Society mantener el equilibrio entre sus métodos tradicionales de fraternidad y el mundo de los negocios del siglo XXI?”

domingo, 8 de julio de 2007

Título: Quadrophenia
Año: 1979
Director: Franc Roddam
Guión: Dave Humphries, Franc Roddam, Martin Stellman
Intérpretes: Phil Daniels, Leslie Ash, Philip Davis, Mark Wingett, Sting, Ray Winstone

Hablar de Quadrophenia es hablar sobre The Who, banda “oficial” de los Mods, a pesar de que sus miembros no lo eran. La idea de Townshend era crear una ópera-rock basándose en los miembros del grupo pero al final creó un álbum que sería la banda de sonora y base de un film. Su anterior experiencia cinematográfica no fue satisfactoria, pero esta vez escogieron a Franc Roddam, quien en su debut hizo un trabajo sobrio pero correcto que permitió que Quadrophenia no haya perdido su fuerza con los años.

La película nos sitúa en la Inglaterra de 1964, en pleno auge de grupos como los mods, elegantemente vestidos sobre sus scooters relucientes, o los rockers. El protagonista, Jimmy, es el chico de los recados en una agencia de publicidad, pero es un mod, alguien importante, pertenece a una nueva generación cuyos símbolos son la música, la vestimenta cuidada, las pastillas y sobretodo, su scooter, Su lambretta es su tesoro y sus rivales son los rockers, aunque su mejor amigo lo sea. Fuera del trabajo todo son fiestas, música, drogas y sexo.

Tal vez Quadrophenia ha resistido el paso del tiempo gracias a que no se centra en los Mods y los Rockers, sino en “el trauma de la adolescencia”. El film cuenta la historia de Jimmy, un adolescente que está buscándose. Para ello debe atravesar todas las etapas propias de la adolescencia: su relación con las mujeres, el enfrentamiento con su familia, las drogas, la pertenencia a un grupo y su rivalidad con el otro, el trabajo, la importancia del look, etc. Todo afectará y perfilará la personalidad de Jimmy.

En Brighton cree encontrar el “sentido de su vida”, se siente popular, es aceptado, se pelea con los rockers, consigue a la chica y tras ese subidón acaba en el calabozo. Pero la vuelta al mundo real trae consigo una espiral descendente donde tras un golpe viene otro peor. Lo echan de la casa, deja el trabajo, su chica se va con su mejor amigo, se pelea con sus amigos, y como golpe de gracia un camión destruye su moto. Esto le hace volver a Brighton en busca de algo pero lo único que descubre es que el mítico Ace no es más que un simple botones de hotel. Su mundo se rompe y roba la moto de Ace y……. aquí empieza el debate.

¿Saltó o no junto con la moto por los acantilados?, ¿se suicida o rompe con su mundo porque se da cuenta de la farsa? Para algunos el suicidio es claro, para mi Quadrophenia va más allá como una película radicalmente antimod, antirocker, antigrupo en definitiva
El mundo en el que vive Jimmy es un globo que se desinfla. Cuando descubre la verdad sobre su ídolo, algo en su interior estalla de rabia, alcanza un punto de lucidez y rompe con su mundo al arrojar la moto por el acantilado y verla caer lentamente, destruyendo un símbolo del vacío e inutilidad del mundo reducido a una estética. El verdadero final del film es su comienzo, Jimmy camina al contraluz de una puesta de sol por esos mismos acantilados presentes en la escena final. Todo es un flash back desde que Jimmy rompe con su universo mod.
Quadrophenia dirige su mensaje contra las propuestas meramente estéticas. La música, la ropa, las actitudes y también las palabras no significan nada si detrás no existe un algo, una idea, un objetivo o un proyecto que suponga un plan de vida.

domingo, 27 de mayo de 2007

Granujas a todo ritmo The Blues Brothers

Año de producción: 1975Dirección: John LandisIntérpretes: John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, Aretha Franklin.Guión: Dan Aykroyd, John LandisMúsica: Elmer Bernstein
James Brown, John Lee Hooker, Ray Charles, Cab Calloway, Aretha Franklin, Dan Aykroyd y John Belushi son parte de los ingredientes de este coctel lleno de blues y soul, la historia y la leyenda de los míticos Blues Brothers, dos hombres con trajes y sombreros negros y gafas de sol oscuras a los que el blues hermanó.

Jake, que acaba de salir de la cárcel, y Elwood Blues hacen una visita al orfanato de monjas que los crió, sobre el que pesa la amenaza de desahucio a no ser que las monjas reunan 5000 dólares. Mientras asisten a la misa celebrada por el padre Cleophus James, Jake es iluminado: deben reunir a la vieja banda e irse de gira.

Este simple argumento sirvió a John Landis para crear un film de culto, esto y un par de cosas más. Dos cómicos irrepetibles y en estado de gracia, a los que Saturday nigth live había descubierto y lanzado a la fama. Unos diálogos lacónicos, pasotas y graciosos, con frases antológicas. Unas persecuciones de coches dignas de Burt Reynolds. Y unos increíbles números musicales protagonizados por todo el star system del blues.

Desde el comienzo Jake y Elwood hablan de la reunión de la banda como de una misión divina y no dudan en hacer todo lo necesario para lograr su objetivo. De esta manera el film se convierte en una carrera desenfrenada a la que se suman todo tipo de personajes, desde la exnovia de Jake, un conjunto de cowboys, un grupo nazi y la más larga cola de coches de policía que se ha visto en el cine. Tras de sí van dejando un montón de ruinas y en ningún momento se les ocurre volver la vista atrás, porque solo piensan en presente sin importarles las consecuencias.

La película tampoco desaprovecha la ocasión de atacar al establishment blanco, al tiempo que caricaturiza al orden público con una esperpéntica galería de agentes de la ley y la especial afición de los hermanos Blues por infringir normas de tráfico.

Son incontables las escenas memorables, desde el sermón musical de James Brown hasta la impresionante Aretha al grito de “Respect” en la cafetería, pasando por la surrealista actuación en la tienda country a la visita a la sauna para la organización del concierto final. Sin embargo una de las mejores y muestra del talante pasota de Jake y Elwood así como del espíritu de la película se produce con el continuo paso de trenes por la ventana de la habitación de Jake mientras ellos intercambian estas frases –“¿Cuántas veces pasa el tren?” –Jake “Tan a menudo que ni siquiera te darás cuenta”

A pesar de tenerlo todo para triunfar en USA la crítica la recibió con todo tipo de palos y fue en Europa donde alcanzó el status que ostenta y se reconoció lo cool sus diálogos, consagrando a la pareja Aykroyd-Belushi y sus blues brothers teniendo que llevar a cabo una gira real que supuso la entrada en barrena de John hasta su fallecimiento en 1982.

Y como diría un blues brother “Estamos a 106 millas de Chicago, tenemos el depósito lleno, medio paquete de cigarrillos, es de noche y llevamos gafas de sol”.

“Tira”.

sábado, 26 de mayo de 2007

GOODBYE AMERICA

Cuando Elias Quejereta le traslado a su amigo Sergio Oskman la idea de hacer un largometraje sobre “Pacifica Radio”, una emisora pacifista e independiente de Nueva York, no contaba con encontrar allí a un nonagenario con una historia mejor, la suya. Ese hombre era el actor Al Lewis y el activista de izquierdas Albert Meister. Pero esos nombres no significan lo mismo que Grandpa de la familia Monster, ese vampiro narcisista que brillaba con luz propia en las mañanas de La Bola de Cristal. Y no tuvieron más remedio que contarla.

Al Lewis siempre será recordado como el abuelo monster pero detrás del vampiro hay más, un hombre que se presentó a gobernador por el partido verde, locutor de una radio pacifista desde donde agitó las conciencias de sus conciudadanos, ojeador de baloncesto, hostelero, doctor en psicología, pasajero de avión que desafió a Henry Kissinger, activista de izquierdas, y un testigo de la historia americana del siglo XX.

Oskman sitúa a Lewis frente a un espejo, maquillándose para la última actuación del monstruo que le llevó a la fama y que supo utilizar para expresar sus opiniones. Así mientras se transforma, Lewis repasa la Segunda Guerra Mundial, la caza de brujas, Vietnam, el 11-S, Irak… En definitiva los acontecimientos más importantes de la historia estadounidense reciente y un recorrido por la vida de un lúcido abuelo. Y en este punto descubrimos que hay personas que no envejecen, porque aunque el espejo muestre a un hombre viejo, el reflejo se equivoca. Algunas personas desafían al espejo devolviéndole una carcajada ya que el rostro que ven reflejado no es más que una caricatura de ellos mismos y las arrugas del rostro y el temblor de manos no son más que partes del disfraz.

Igual que el vampiro es la memoria del mundo, Al Lewis es la memoria de América, y como buen abuelo muestra el disgusto que tiene con su nieto y le hace saber su decepción en la hora de su despedida. Y en un acto de entereza, consumido por la enfermedad pero sonriente, con un largo puro en la boca, le pega el último tirón de orejas a su país.

Muchas gracias Grandpa.

La cuadrilla de los once
Ocean´s Eleven

AÑO: 1960
PAÍS: USA
PRODUCTORA: Warner Bros Pictures
DIRECTOR: Lewis Milestone
REPARTO: Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Angie Dickinson, Richard Conte, Cesar Romero, Akim Tamiroff, Joey Bishop, Patrice Wymore, Henry Silva, Ilka Chase

Dice la leyenda “urbana” que a mediados de los cincuenta Lauren Bacall paseaba por un parque de Las Vegas cuando se encontró a un grupo de amigos tirados en el césped tras una desenfrenada jornada de juerga. Ante aquel espectáculo, les soltó “Parecéis un hatajo de ratas”. Y allí según las malas lenguas nació el mítico Rat Pack, porque aquellos tipos eran ni más ni menos que Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford, Sammy Davis Jr. y Joey Bishop. Bajo ese sobrenombre se conoció durante décadas a estos cinco conocidos hombre del mundo del espectáculo americano, triunfadores en el cine, la canción, la televisión y los show en vivo en los hoteles y casinos de Las Vegas. Su forma de vida incluía mucho más que canciones y bromas. Dentro del paquete iba sexo con bellas actrices como Marilyn Monroe, Kim Novak y Ava Gardner; juergas con políticos y capos de la Cosa Nostra; Jack Daniel’s a raudales y trajes de pelo de camello...

Y así como una forma de aprovechar su fama y continuar con la diversión nació el proyecto en 1960 de “La cuadrilla de los once”. La historia situaba a Danny Ocean y a diez de sus compañeros de armas la noche de año nuevo en Las Vegas con la intención de poner en uso sus habilidades financiados por un gángster un tanto especial, Spyros Acebos, para dar un golpe simultaneo en los casinos Sands, Desert Inn, Flamingo, Riviera y Sahara y hacerse con toda la recaudación. Este era el simple argumento con el que estos granujas se montaron un rodaje en la ciudad del juego.

La dirección de la tropa se le encargó al conocido y eficiente artesano Lewis Milestone y para acompañar en el reparto a esos cinco personajes se hecho mano de gente como Henry Silva (cuya carrera no avanzaba), Richard Benedict (protegido de Lewis), Richard Conte (quien actuaría años después en El padrino), Anthony Bergdof, la bellísima Angie Dickinson (tras enamorar a Dean Martin en Río Bravo) y el roba planos Akim Tamiroff como gángster , quien con su marcado acento ruso provocó problemas en el montaje del sonido. El film también tiene el honor de contar con un buen número de cameos. Entre ellos destaca el protagonizado por los músicos de Samy Davies Jr como los basureros que cantan con él y por encima de todos, el realizado por la actriz Shirley MacLaine, compañera de andanzas, cuya escena y diálogo con Dean Martin son totalmente improvisados, aunque este hecho se da en múltiples escenas de las protagonizadas por Sinatra, Martin y Samy.

El rodaje tuvo lugar durante las largas noches de enero y febrero de 1960 tras finalizar los show que varios de los miembros del Rat Pack mantenían en la ciudad del juego. Durante esas semanas, el grupo ofreció una serie de espectáculos que sólo pueden ser calificados como memorables, y en los que la música y las canciones se mezclaban en el escenario con bromas, chistes, y juegos entre ellos. Vestidos de etiqueta, atractivos, deseados, envidiados, con éxito y dinero, llenos de talento, bromistas, simpáticos, elegantes, hedonistas..., con un cigarrillo en una mano y con una copa en la otra, este clan llego a ser el símbolo casi perfecto de una forma de entender la vida al comienzo de los magníficos 60.
Fue una época de cambios en lo político y lo social, en la que USA abanderaba a Occidente, la Guerra fría se tornaba congelada, y la revolución estaba a la vuelta de la esquina. En esa montaña rusa, los Rat Pack se calzaron el mundo por montera. Con el cobijo del clan Kennedy y de las amistades italianas de Sinatra, al clan pareció no afectarle los cambios y mantuvieron un devenir lúdico y glamuroso lleno de lujo y diversión. Así mientras Dylan cantaba a los nuevos tiempos y buscaba respuestas en los vientos, los Rat Pack entonaban “el triste de mi” como fin de fiesta al son de las canciones de la Voz y sus acólitos con la creencia que todas las respuestas se encuentran en el bello cuerpo de una dama y en un buen trago de whisky.
Sinatra, príncipe de estos crooners y un prototipo de elegancia, hedonismo, diversión y... peligro, diría que llevaban “un estilo de vida a su manera”. Be a crooner

miércoles, 23 de mayo de 2007

1997: Rescate en Nueva York
Escape from New York (AKA New York 1997) - 1981
DIRECTOR John Carpenter GUIÓN John Carpenter & Nick Castle
MÚSICA John Carpenter & Alan Howard. FOTOGRAFÍA Dean Cundey
REPARTO Kurt Russell, Lee Van Cleef, Ernest Borgnine, Donald Pleasence, Isaac Hayes, Season Hubley, Harry Dean Stanton, Adrienne Barbeau, Tom Atkins

Además de ser uno de los mejores trabajos de su director, “Escape from New York” supone una de las bases de la ciencia ficción contemporánea. Son muchos los motivos que convierten al film de Carpenter en un clásico desde su estreno en 1981. Uno de ellos es la impresionante escena de entrada: Es el año 1988 y el crimen se ha disparado en los EEUU, en una decisión sin precedentes la isla de Manhattan pasa a ser una prisión de máxima seguridad, aislada por un muro del exterior y donde los condenados son abandonados a suerte en un mundo sin reglas. Como la propia voz off señala “Quien entra no sale”. Acto seguido saltamos al año 1997, el mundo “civilizado” afronta una crisis mundial que puede acabar con la raza humana mientras en la megaprisión la barbarie y la anarquía dictan las leyes. En ese momento un ataque terrorista provoca que el avión del presidente de los EEUU se estrelle en Manhattan cayendo el líder del “mundo libre” en manos de una banda de reclusos cuyo único deseo es escapar. Ante la imposibilidad de lanzar una acción convencional, por miedo a que maten al presidente, se decide enviar a un hombre a rescatar al presidente en secreto. El elegido, "Serpiente" Plissken, un conocido convicto al que todos daban por muerto, pero que había sido capturado.

Pantalón de camuflaje, camiseta negra sin mangas, barba, melena y un parche en el ojo izquierdo son los rasgos físicos del antihéroe de voz susurrante. Cínico, descreído, individualista, seguro de sí mismo, impasible, desconfiado y muy resolutivo, Snake representa el otro lado de América, el antipatriota patriota, un nuevo arquetipo de héroe de acción.
Carpenter logró con un presupuesto de 7 millones de dólares un rotundo éxito en la taquilla además de un film de género imperecedero. Gracias a sus éxitos anteriores tuvo un amplio margen de libertad de acción, lo que le permitió escoger a los actores del film. Así frente a la opción de la productora que preferían a Charles Bronson o Clint Eastwood, Carpenter eligió a un novato en el cine de acción como Kurt Russel, quien gracias a este film reorientaría su carrera. Frente Snake, un antihéroe que no esta de acuerdo con el sistema pues lo ha sufrido, se sitúa como contrapunto el jefe de policía, interpretado por un impresionante Lee Van Cleef, que aún conociendo la injusticia en el sistema vive de él e intenta preservarlo a cualquier precio. Completan el reparto Ernest Borgnine, el taxista que ayuda a Plissken; Harry Dean como Cerebro, antiguo socio de Plissken; Adrienne Barbeau, la chica del film; Donald Pleasence en el papel de un presidente roñoso y rastrero que cuando no tiene el poder se convierte en un ser miserable; e Isaac Hayes como “el duque”, el líder de los presos.

Carpenter consigue por medio de esta extraña e inquietante fábula, donde la individualidad es sometida por un gobierno autoritario, presentarnos un futuro oscurantista y tenebroso realzado por una estética heredera del comic y una banda sonora repleta de sintetizadores. El mensaje crítico del film, osado y trasgresor, se mantiene actual debido al retroceso social y de libertad que está viviendo el mundo moderno y porque lo que cuenta muy bien podría suceder mañana.

domingo, 29 de abril de 2007

Design 3000 - shop of ideas

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En esta preciosa y colorida página podeis encontrar un chisme que colocado al tiempo q cargas el ipod en el enchufe, el querido cacharro este a resguardo de golpes varios.

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