Jó, qué noche. (1985) Martin ScorseseAfter Hours.
Intérpretes: Griffin Dunne (Paul Hackett), Rossanna Arquette (Marcy), Verna Bloom (June), Thomas Chong (Pepe), Linda Fiorentino (Kiki Bridges), Teri Garr (Julie), John Heard (Tom), Cheech Marin (Neil), Catherine O'Hara (Gail), Dick Miller (Camarero)
After Hours es la visión cómica de la noche que nos ofrece Scorsese, su aportación al cine de locales de copas y movida nocturna. Una comedia torturada, bañada por un humor negro que solo surge al anochecer, cuando aparecen esos estrafalarios personajes a quienes los rayos solares ahuyentarían.
Paul Hackett no es más que un informático con una vida aburrida y monótona. Las puertas de la aventura se le abrirán al conocer a Marcy de forma casual en uno de esos cafés 24 horas. El simple intercambio del teléfono de una artista amiga de Marcy, creadora de unos increíbles pisapapeles con forma de buñuelo, funciona como detonante.
Y con una simple llamada, Paul se verá citado con Marcy en la casa de su amiga en el Soho, comenzando su particular descenso a los infiernos de la noche. La fauna de Scorsese que acosará a este pez fuera del agua es de lo más variopinta y está retratada con indudable maestría.
Las desgracias de Paul comienzan desde su subida al taxi, perdiendo todo su dinero debido al peculiar estilo de conducción del taxista al ritmo de una más que acelerada rumba aflamencada. Este hecho que para cualquier nocturno hubiese supuesto la certeza de que la noche no puede ir bien, no rinden a nuestro protagonista sino que lo refuerzan en la idea “de perdidos al río”. Aunque cuando comprueba que Marcy no responde a sus expectativas y que a su compañera le patinan las neuronas, comenzará para él una odisea cada vez más surrealista y peligrosa en sus desesperados intentos de volver a casa, en una noche que se convertirá en la más larga de su vida.
Son tantas las desgracias que sufre y la gente tan extraña que se encuentra, que a más de uno de ustedes se le sacarán las ganas de salir en ciudad extraña. Y toda la trama que rodea esos variados intentos se sustenta, sobre todo, en las apariciones de una larga galería de personajes, a cuál más estrambótico que el anterior. Así Paul tratará con una escultora sadomasoquista, un barman con depresión, una camarera histérica y anclada en los setenta, una vendedora de helados con tendencias psicóticas, un cincuentón en busca de experiencias, y hasta una pareja de ladrones encarnados por Cheeck y Chong que al final serán sus salvadores. En su deambular visitará antros nocturnos, se topará con la tan temida burocracia de los porteros de club y con lo difícil que es usar el transporte público cuando llueve. Será también, testigo del suicidio de Marcy y acabará perseguido por la turba nocturna como principal sospechoso de los robos que asolan el barrio en esa extraña noche.
Griffin Dunne compone a la perfección el personaje de perdedor, y al avanzar la noche su expresión de incredulidad va dando paso al terror, mezclado con la desesperación de una situación de la que no es capaz de salir por más que lo intenta. Aunque la película no es rápida, sino más bien pausada como la noche, Scorsese no da respiro desde el mismo momento en que nuestro antihéroe se sube al taxi. Es fácil identificarse con Paul en sus infructuosos intentos de regreso, sintiendo la misma angustia que él al recorrer esas calles mojadas, solitarias, mal iluminadas, rodeadas de pisos viejísimos, ruidos en las esquinas y clubes en los que no entraríamos ni por dinero. Todo ello está montado como un rompecabezas en que las piezas encajan perfectamente y donde no sobra una sola.
"After Hours" juega con el más común de los miedos: el miedo a la oscuridad, a los monstruos que oculta. Lo hace en clave de humor, pero hurgando en el interior del espectador en cada plano. La intensidad nunca decrece y Scorsese siempre es capaz de dar una vuelta de tuerca a las situaciones planteadas, porque sabe que todas las situaciones que presenta son perfectamente posibles, aunque algunas nos parezcan extrañísimas, y que las personas que las llevan a cabo tienen cara de normales, lo que facilita que uno pueda sentirse parte de la película. Tantas son las desgracias que le suceden a Paul en esa noche que harán que nos pensemos seriamente nuestra próxima salida nocturna, o no?
domingo, 18 de noviembre de 2007
the warriors
The Warriors. 1979
DIRECTOR Walter Hill
GUIÓN David Shaber & Walter Hill (Novela: Sol Yurick)
MUSICA Barry DeVorzon
FOTOGRAFÍA Andrew Laszlo
REPARTO Michael Beck, David Harris, James Remar, Thomas Waites, Dorsey Wright, Brian Tyler, Deborah Van Valkenburg
En ocasiones hay películas que quedan grabadas en la memoria para nunca borrarse, y si uno es joven en el momento del visionado la película pasa a convertirse en un clásico, pero lo que hace que sea inolvidable es algo en sus diálogos, en su estética o en su historia que nos marcó en esos años juveniles. Uno de estas películas es “The Warriors”, descubierta por muchos en las madrugadas de cine de la TVG y con un doblaje que no os habrá dejado indiferente al que lo recuerde; así el nombre de la banda pasa a ser un “Os Güorriors" con gheada incluida, siendo una de las cosas que hace entrañable a esta película.
Cuando hace unos años la encontré de oferta no pude resistirme y fue como descubrí que era una adaptación de una novela, que a su vez lo era pero muy libremente de la "Anábasis" de Jenofonte, obra clásica en la que unos guerreros atenienses vuelven a casa tras enfrentarse a los persas, con miles de enemigos en la retaguardia que quieren acabar con ellos.
The Warriors cambia a esos guerreros atenienses por una banda de Coney Island en el New York de los últimos 70. Cientos de esas bandas callejeras se reparten la ciudad, luchando por su territorio. Cyrus, el líder de la más grande, The Riffs, convoca una reunión en el Bronx para tratar de unir a las bandas contra las autoridades, a las que superan en número. Cada grupo enviará nueve delegados e irán desarmados. Para facilitar el viaje se levanta una tregua y todos podrán atravesar los diferentes territorios en su camino al Bronx.
Una vez en el cónclave, Cyrus, con su enfervorizado discurso (la mítica frase “Cannnnn yooouuuuuu diiiigggg iiittttt?,” dirigida a los representantes de the Blackjacks, the Electric Eliminators,the Firetasters, the Moonrunners, the Saracens, the Turnbull A.C.'s, the Zodiacs, entre otras muchas) pretende que todas las bandas se unan en un solo frente y tomen la ciudad. Todo se desarrolla con normalidad hasta que Luther, el líder de The Rogues, dispara a Cyrus mientras habla en el escenario. En ese mismo momento la policía entra en acción y carga contra los asistentes. En el caos que se desata, Luther que ha sido visto por Fox, un Warriors, señala a Cleon (lider de The Warriors) como autor del disparo que mata a Cyrus, encendiendo la ira de The Riffs. A partir de ahí los Warriors tendrán que volver a su casa, con la retaguardia cubierta por 100.000 miembros de las otras bandas, furiosos por la muerte de Cyrus, Para ello atravesarán la ciudad enfrentándose a las bandas de cada una de las zonas que atraviesan.
El film no da un solo momento de respiro. Una emocionante y angustiosa persecución de una noche, entre vagones de metro, avenidas llenas de basura y parques vacíos acaba de comenzar. La fotografía nocturna, la escenografía llena de calles desiertas, metros llenos de grafittis... nos remite a esa Nueva York de los suburbios, al estilo de “Malas calles”, pero el film no entra a tratar el problema de las bandas y nos mete de lleno en la épica; las bandas no son grupos de marginados, son guerreros con su honor, su territorio y su sentido de la justicia. “The Warriors” no es una película sobre como una banda trata de volver a casa. Es una historia de supervivencia, de venganza, de poder y corrupción y del espíritu humano. Esta afirmación suena un poco pedante pero “The Warriors” abarca toda esta fuerza. Hay héroes, villanos, aliados dudosos, "femmes fatales"...
Que todo ocurra en una noche aumenta la tensión y las peleas con las bandas están coreografiadas de forma clásica; aquí no hay artes marciales ni tiroteos, todo se resuelve con bates, cuchillos, puños e inteligencia, dándole un carácter de épica antigua a la acción, como si de guerreros atenienses se tratase.
Hay dos tramas paralelas. Una muestra como los Gramercy Riffs, van descubriendo la verdad sobre quienes son los asesinos de su líder. Y la otra los mensajes en clave que una locutora de radio underground emite entre canción y canción para informar de las evoluciones de los Warriors, sirviendo de salto entre enfrentamientos.
La secuencia final nos sitúa al amanecer, en una playa de Coney Island donde Warriors y Rogues, se preparan para librar su particular duelo al sol. Entonces como de la nada surgen los Riffs para vengar a su líder y poner las cosas en su lugar. Acabando la película con un último parte de la locutora de radio transmitiendo el mensaje al resto de las bandas.
“The Warriors” es un film único, lleno de fuerza, juventud, música setentera, excesos y que no envejece. Y como buen clásico que es, ya está en marcha su remake que promete mucho hip-hop, tiros y alguna que otra decepción a los fans de este viejo clásico. Nos tendremos que refugiar en su versión para consola para recordar…
“Cannnnn yooouuuuuu diiiigggg iiittttt?,”
DIRECTOR Walter Hill
GUIÓN David Shaber & Walter Hill (Novela: Sol Yurick)
MUSICA Barry DeVorzon
FOTOGRAFÍA Andrew Laszlo
REPARTO Michael Beck, David Harris, James Remar, Thomas Waites, Dorsey Wright, Brian Tyler, Deborah Van Valkenburg
En ocasiones hay películas que quedan grabadas en la memoria para nunca borrarse, y si uno es joven en el momento del visionado la película pasa a convertirse en un clásico, pero lo que hace que sea inolvidable es algo en sus diálogos, en su estética o en su historia que nos marcó en esos años juveniles. Uno de estas películas es “The Warriors”, descubierta por muchos en las madrugadas de cine de la TVG y con un doblaje que no os habrá dejado indiferente al que lo recuerde; así el nombre de la banda pasa a ser un “Os Güorriors" con gheada incluida, siendo una de las cosas que hace entrañable a esta película.
Cuando hace unos años la encontré de oferta no pude resistirme y fue como descubrí que era una adaptación de una novela, que a su vez lo era pero muy libremente de la "Anábasis" de Jenofonte, obra clásica en la que unos guerreros atenienses vuelven a casa tras enfrentarse a los persas, con miles de enemigos en la retaguardia que quieren acabar con ellos.
The Warriors cambia a esos guerreros atenienses por una banda de Coney Island en el New York de los últimos 70. Cientos de esas bandas callejeras se reparten la ciudad, luchando por su territorio. Cyrus, el líder de la más grande, The Riffs, convoca una reunión en el Bronx para tratar de unir a las bandas contra las autoridades, a las que superan en número. Cada grupo enviará nueve delegados e irán desarmados. Para facilitar el viaje se levanta una tregua y todos podrán atravesar los diferentes territorios en su camino al Bronx.
Una vez en el cónclave, Cyrus, con su enfervorizado discurso (la mítica frase “Cannnnn yooouuuuuu diiiigggg iiittttt?,” dirigida a los representantes de the Blackjacks, the Electric Eliminators,the Firetasters, the Moonrunners, the Saracens, the Turnbull A.C.'s, the Zodiacs, entre otras muchas) pretende que todas las bandas se unan en un solo frente y tomen la ciudad. Todo se desarrolla con normalidad hasta que Luther, el líder de The Rogues, dispara a Cyrus mientras habla en el escenario. En ese mismo momento la policía entra en acción y carga contra los asistentes. En el caos que se desata, Luther que ha sido visto por Fox, un Warriors, señala a Cleon (lider de The Warriors) como autor del disparo que mata a Cyrus, encendiendo la ira de The Riffs. A partir de ahí los Warriors tendrán que volver a su casa, con la retaguardia cubierta por 100.000 miembros de las otras bandas, furiosos por la muerte de Cyrus, Para ello atravesarán la ciudad enfrentándose a las bandas de cada una de las zonas que atraviesan.
El film no da un solo momento de respiro. Una emocionante y angustiosa persecución de una noche, entre vagones de metro, avenidas llenas de basura y parques vacíos acaba de comenzar. La fotografía nocturna, la escenografía llena de calles desiertas, metros llenos de grafittis... nos remite a esa Nueva York de los suburbios, al estilo de “Malas calles”, pero el film no entra a tratar el problema de las bandas y nos mete de lleno en la épica; las bandas no son grupos de marginados, son guerreros con su honor, su territorio y su sentido de la justicia. “The Warriors” no es una película sobre como una banda trata de volver a casa. Es una historia de supervivencia, de venganza, de poder y corrupción y del espíritu humano. Esta afirmación suena un poco pedante pero “The Warriors” abarca toda esta fuerza. Hay héroes, villanos, aliados dudosos, "femmes fatales"...
Que todo ocurra en una noche aumenta la tensión y las peleas con las bandas están coreografiadas de forma clásica; aquí no hay artes marciales ni tiroteos, todo se resuelve con bates, cuchillos, puños e inteligencia, dándole un carácter de épica antigua a la acción, como si de guerreros atenienses se tratase.
Hay dos tramas paralelas. Una muestra como los Gramercy Riffs, van descubriendo la verdad sobre quienes son los asesinos de su líder. Y la otra los mensajes en clave que una locutora de radio underground emite entre canción y canción para informar de las evoluciones de los Warriors, sirviendo de salto entre enfrentamientos.
La secuencia final nos sitúa al amanecer, en una playa de Coney Island donde Warriors y Rogues, se preparan para librar su particular duelo al sol. Entonces como de la nada surgen los Riffs para vengar a su líder y poner las cosas en su lugar. Acabando la película con un último parte de la locutora de radio transmitiendo el mensaje al resto de las bandas.
“The Warriors” es un film único, lleno de fuerza, juventud, música setentera, excesos y que no envejece. Y como buen clásico que es, ya está en marcha su remake que promete mucho hip-hop, tiros y alguna que otra decepción a los fans de este viejo clásico. Nos tendremos que refugiar en su versión para consola para recordar…
“Cannnnn yooouuuuuu diiiigggg iiittttt?,”
criticas abril2006
DEFOSAENFOSA(Odgrobadogroba)
Director: Jan Cvitkovič.Nacionalidad: Eslovenia y Croacia. Comedia dramática.Reparto: Gregor Baković (Pero), Drago Milinović (Shooki), Sonja Savić (Ida), Mojca Fatur (Renata), Domen Remškar (Johnny), Brane Grubar (Dedo), Nataša Matjašec (Vilma), Zoran Dževerdanovič (Marido de Vilma), Vlado Novak (Padre de Renata), Nada Žnidaršič (Adriana), Drago Širok (Yaka).
TRAMA
Pero es un treintañero sensible e inteligente que vive muy cerca de la muerte: su trabajo consiste en escribir y pronunciar los discursos fúnebres en los funerales de su ciudad. En sus discursos consciente o inconscientemente, aporta al texto su propia percepción del curso de los acontecimientos y su propia filosofía de vida.
+CORUÑA
Película sobre las vicisitudes de los destinos y la búsqueda de cariño y amor en el caos absurdo que es la vida. No decepcionará a los aficionados al humor balcánico, amigos de las mezclas entre excentricidad y costumbrismo tan en la línea de Kusturica y otros autores balcánicos.
PLAN OCULTO (INSIDE MAN)
Director: Spike LeeNacionalidad: USA. ThrillerReparto: Denzel Washington, Clive Owen, Jodie Foster, Willem Dafoe, Chiwetel Ejiofor, Christopher Plummer
TRAMA
Historia de un poli duro, el detective Frazier, que mide su inteligencia con un astuto ladrón de bancos, Dalton, en una dramática toma de rehenes. Según se desarrolla el peligroso juego del gato y el ratón, aparece un comodín. Se trata de Madaline, una broker con una agenda secreta que inyecta otra dosis de inestabilidad a una situación muy volátil.
+CORUÑA
Spike Lee regresa a la pantalla grande con una de ladrones al más puro estilo y con un reparto de lujo de personajes masculinos. Se dice que para convencer al actor británico Clive Owen para que aceptase el papel de atracador, siempre con la cara cubierta, tuvo que llevarlo repetidas veces a ver a los Knicks.
GISAKU
Director: Baltasar PedrosaNacionalidad: España. AnimaciónReparto: Gisaku, Riki, Yohei, Moira, Gorkan, Linceto.
TRAMA
En algún lugar de España, un samurái espera paciente para cumplir una misión que antaño le fue encomendada: proteger la Llave de Izanagi del mal. La llave, formada por poderosas piezas, cierra una puerta que franquea el umbral del mundo. Gisaku tendrá que impedir a Gorkan, el señor de las tinieblas, cumplir su objetivo: invadir el mundo con sus hordas demoníacas. En el transcurso de su misión Riki, Gisaku, Yohei, Linceto y Moira se verán obligados a vencer sus conflictos internos y superar numerosas dificultades.
+CORUÑA
Una de anime a la española, con recorrido por la tierra patria y gran parte de sus monumentos más insignes. Todo ello sin perder un ápice de la estética que requiere este tipo de producciones. La división de dibujos animados de Filmax rompe moldes con este relato lleno de aventuras y acción, abriendo nuevas vías en la industria del cine de animación en España. Uno de sus atractivos son las excelentes recreaciones de las ciudades españolas que salen en el film.EL TRIUNFO
Director: Mireia RosNacionalidad: España. DramaReparto: Juan Diego (Gandhi), Ángela Molina (Chata), Antonio Fernández Montoya "Farruco" (Nen), Marieta Orozco (Susi), Cheto (Palito), Francisco Conde (Tostao), Javier Ambrossi (Topo), Pep Cruz (Andrade), Joaquín Gómez (Fontán), Miquel Sitjà (Mediano).
TRAMA
Años 80. En un barrio de supervivientes dirigido por ex-legionarios, Gandhi, Fontán, Andrade, que está en pie de guerra por el control de las calles, el Nen, y sus amigos Palito, Topo y Tostao, sueñan con triunfar en el mundo de la rumba. Pero cuando Nen descubre los motivos de la desaparición de su padre, el Guacho, del que sólo le queda su pasado de esplendor como cantante de rumbas, y el papel que tuvo en la misma la relación entre su madre, Chata, y Gandhi, jefe del barrio, Nen tiene que enfrentar su deseo de venganza con sus ansias de conseguir el triunfo.
+CORUÑA
El film, adaptación de la novela homónima de Francisco Casavella, ha pasado por la sección Panorama del Festival de Berlin y también por el Festival de cine español de Málaga dejando buen sabor de boca en los espectadores. Otro punto a su favor es su banda sonora llena de rumba. La rumba es el hilo y el alma de la película dando vida y color a las imágenes que nos narran la historia.
KAKUSHI KEN - ONI NO TSUME(The hidden blade)
Director: Yoji YamadaNacionalidad: Japón. DramaReparto: Masatoshi Nagase (Munezo Katagiri), Takako Matsu (Kie), Hidetaka Yoshioka (Samon Shimada), Yukiyoshi Ozawa (Yaichiro Hazama), Tomoko Tabata (Shino), Reiko Takashima, Min Tanaka (Kansai Toda), Nenji Kobayashi (Ogata), Ken Ogata (Hori).
TRAMA
Yaichiro Hazama se dirige a Edo para tomar un importante puesto dentro de un clan de samuráis. Mientras, sus dos amigos, también samuráis, Munezo y Samon regresan al lugar donde Munezo nació y se crió. Llevan una vida confortable y pasan los años, y Munezo cree encontrar la felicidad en su antigua criada Kie, a cuyo marido ordena que comience el proceso de divorcio y se la lleva con él. Un período de gran alegría en la vida de Munezo, hasta que tiene lugar un intento para derrocar al líder del clan en Edo. Yaichiro, quien parece haber sido uno de los miembros del clan implicado en la conspiración, ha sido encarcelado pero consigue escapar y se oculta en un cortijo. Munezo recibe la orden de acabar con Yaichiro
+CORUÑA
Un nuevo y buen exponente del género chambaza centrado en la figura del samurai. No busquen aquí luchas de espadas inverosímiles ni un espectáculo visual arrollador porque lo que van a encontrar una increíble disección por parte del director de los ritos, las costumbres e incluso de la forma de comer de la sociedad japonesa Meiji. Estamos ante un drama de personajes en una época y país determinado.EL CASTILLO AMBULANTE(Howl's moving castle) (Hauru no ugoku shiro)
Director: Hayao MiyazakiNacionalidad: Japón. Animación, fantasía.Reparto: Sophie, Howl, La Bruja de las Landas, Calcifer, Marko, Suliman, Hihn, Navet.
TRAMA
Sophie trabaja en la tienda que mantenía su padre antes de fallecer. En uno de sus paseos, Sophie conoce al mago Gol, un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. El encuentro no ha pasado desapercibido para la Bruja de las Landas, quien odia a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana que no puede revelar su verdadera identidad. Imposibilitada para decir quién es realmente se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. Howl vive en un “castillo mágico” que se traslada a voluntad de su dueño. Sophie se adentra en lo desconocido, en busca del castillo ambulante, perdiéndose en tierras desoladas.
+CORUÑA
Una nueva demostración de que la animación no es solo cosa de niños. El maestro Miyazaki nos vuelve a llevar a su país de las maravillas para mostrarnos otro de sus mundos llenos de personajes mágicos. Una mezcla de fantasía, aventura, alegato pacifista e historia de amor que harán las delicias de grandes y pequeños, aunque a estos les cueste seguir la complejidad argumental de las obras del maestro.
TIRANTE EL BLANCO
Director: Vicente Aranda.Nacionalidad: España, Reino Unido e Italia. Aventuras, romanceReparto: Caspar Zafer (Tirante el Blanco), Esther Nubiola (Carmesina), Leonor Watling (Placerdemivida), Ingrid Rubio (Estefanía), Charlie Cox (Diafebus), Victoria Abril (Viuda Reposada), Giancalo Giannini (Emperador), Jane Asher (Emperatriz), Sid Mitchel (Hipólito), Rafael Amargo (El Gran turco).
TRAMA
El caballero Tirante recibe el encargo del Emperador de Bizancio para que le libere del asedio de los turcos. Tirante no defrauda las esperanzas. Sabe vencer y vence, y a continuación ha de utilizar su victoria para vencer la oposición de Carmesina a entregar aquello que considera más íntimo: su virginidad. La relación de esta pretensión íntima, orgánica e instintiva con los mecanismos del poder en el Imperio es evidente. Las mujeres de la corte se afanan por salvar el Imperio haciendo que se produzca el encuentro carnal. Mientras la Viuda Reposada lucha contra esta intención porque ella también está perdidamente enamorada de Tirante.
+CORUÑA
Vicente Aranda consigue llevar a puerto tras años intentándolo la famosa novela de caballería sobre Tirant le Blanc. La película tiene una carga erótica importante ya que toda la historia se hace girar sobre la pérdida de virginidad de la princesa. Con un reparto femenino de auténtico lujo, encabezado por Victoria Abril musa del director y unas excitantes Esther Nubiola, Leonor Watling e Ingrid Rubio. Con tanta artillería no hay caballero que resista.
Director: Jan Cvitkovič.Nacionalidad: Eslovenia y Croacia. Comedia dramática.Reparto: Gregor Baković (Pero), Drago Milinović (Shooki), Sonja Savić (Ida), Mojca Fatur (Renata), Domen Remškar (Johnny), Brane Grubar (Dedo), Nataša Matjašec (Vilma), Zoran Dževerdanovič (Marido de Vilma), Vlado Novak (Padre de Renata), Nada Žnidaršič (Adriana), Drago Širok (Yaka).
TRAMA
Pero es un treintañero sensible e inteligente que vive muy cerca de la muerte: su trabajo consiste en escribir y pronunciar los discursos fúnebres en los funerales de su ciudad. En sus discursos consciente o inconscientemente, aporta al texto su propia percepción del curso de los acontecimientos y su propia filosofía de vida.
+CORUÑA
Película sobre las vicisitudes de los destinos y la búsqueda de cariño y amor en el caos absurdo que es la vida. No decepcionará a los aficionados al humor balcánico, amigos de las mezclas entre excentricidad y costumbrismo tan en la línea de Kusturica y otros autores balcánicos.
PLAN OCULTO (INSIDE MAN)
Director: Spike LeeNacionalidad: USA. ThrillerReparto: Denzel Washington, Clive Owen, Jodie Foster, Willem Dafoe, Chiwetel Ejiofor, Christopher Plummer
TRAMA
Historia de un poli duro, el detective Frazier, que mide su inteligencia con un astuto ladrón de bancos, Dalton, en una dramática toma de rehenes. Según se desarrolla el peligroso juego del gato y el ratón, aparece un comodín. Se trata de Madaline, una broker con una agenda secreta que inyecta otra dosis de inestabilidad a una situación muy volátil.
+CORUÑA
Spike Lee regresa a la pantalla grande con una de ladrones al más puro estilo y con un reparto de lujo de personajes masculinos. Se dice que para convencer al actor británico Clive Owen para que aceptase el papel de atracador, siempre con la cara cubierta, tuvo que llevarlo repetidas veces a ver a los Knicks.
GISAKU
Director: Baltasar PedrosaNacionalidad: España. AnimaciónReparto: Gisaku, Riki, Yohei, Moira, Gorkan, Linceto.
TRAMA
En algún lugar de España, un samurái espera paciente para cumplir una misión que antaño le fue encomendada: proteger la Llave de Izanagi del mal. La llave, formada por poderosas piezas, cierra una puerta que franquea el umbral del mundo. Gisaku tendrá que impedir a Gorkan, el señor de las tinieblas, cumplir su objetivo: invadir el mundo con sus hordas demoníacas. En el transcurso de su misión Riki, Gisaku, Yohei, Linceto y Moira se verán obligados a vencer sus conflictos internos y superar numerosas dificultades.
+CORUÑA
Una de anime a la española, con recorrido por la tierra patria y gran parte de sus monumentos más insignes. Todo ello sin perder un ápice de la estética que requiere este tipo de producciones. La división de dibujos animados de Filmax rompe moldes con este relato lleno de aventuras y acción, abriendo nuevas vías en la industria del cine de animación en España. Uno de sus atractivos son las excelentes recreaciones de las ciudades españolas que salen en el film.EL TRIUNFO
Director: Mireia RosNacionalidad: España. DramaReparto: Juan Diego (Gandhi), Ángela Molina (Chata), Antonio Fernández Montoya "Farruco" (Nen), Marieta Orozco (Susi), Cheto (Palito), Francisco Conde (Tostao), Javier Ambrossi (Topo), Pep Cruz (Andrade), Joaquín Gómez (Fontán), Miquel Sitjà (Mediano).
TRAMA
Años 80. En un barrio de supervivientes dirigido por ex-legionarios, Gandhi, Fontán, Andrade, que está en pie de guerra por el control de las calles, el Nen, y sus amigos Palito, Topo y Tostao, sueñan con triunfar en el mundo de la rumba. Pero cuando Nen descubre los motivos de la desaparición de su padre, el Guacho, del que sólo le queda su pasado de esplendor como cantante de rumbas, y el papel que tuvo en la misma la relación entre su madre, Chata, y Gandhi, jefe del barrio, Nen tiene que enfrentar su deseo de venganza con sus ansias de conseguir el triunfo.
+CORUÑA
El film, adaptación de la novela homónima de Francisco Casavella, ha pasado por la sección Panorama del Festival de Berlin y también por el Festival de cine español de Málaga dejando buen sabor de boca en los espectadores. Otro punto a su favor es su banda sonora llena de rumba. La rumba es el hilo y el alma de la película dando vida y color a las imágenes que nos narran la historia.
KAKUSHI KEN - ONI NO TSUME(The hidden blade)
Director: Yoji YamadaNacionalidad: Japón. DramaReparto: Masatoshi Nagase (Munezo Katagiri), Takako Matsu (Kie), Hidetaka Yoshioka (Samon Shimada), Yukiyoshi Ozawa (Yaichiro Hazama), Tomoko Tabata (Shino), Reiko Takashima, Min Tanaka (Kansai Toda), Nenji Kobayashi (Ogata), Ken Ogata (Hori).
TRAMA
Yaichiro Hazama se dirige a Edo para tomar un importante puesto dentro de un clan de samuráis. Mientras, sus dos amigos, también samuráis, Munezo y Samon regresan al lugar donde Munezo nació y se crió. Llevan una vida confortable y pasan los años, y Munezo cree encontrar la felicidad en su antigua criada Kie, a cuyo marido ordena que comience el proceso de divorcio y se la lleva con él. Un período de gran alegría en la vida de Munezo, hasta que tiene lugar un intento para derrocar al líder del clan en Edo. Yaichiro, quien parece haber sido uno de los miembros del clan implicado en la conspiración, ha sido encarcelado pero consigue escapar y se oculta en un cortijo. Munezo recibe la orden de acabar con Yaichiro
+CORUÑA
Un nuevo y buen exponente del género chambaza centrado en la figura del samurai. No busquen aquí luchas de espadas inverosímiles ni un espectáculo visual arrollador porque lo que van a encontrar una increíble disección por parte del director de los ritos, las costumbres e incluso de la forma de comer de la sociedad japonesa Meiji. Estamos ante un drama de personajes en una época y país determinado.EL CASTILLO AMBULANTE(Howl's moving castle) (Hauru no ugoku shiro)
Director: Hayao MiyazakiNacionalidad: Japón. Animación, fantasía.Reparto: Sophie, Howl, La Bruja de las Landas, Calcifer, Marko, Suliman, Hihn, Navet.
TRAMA
Sophie trabaja en la tienda que mantenía su padre antes de fallecer. En uno de sus paseos, Sophie conoce al mago Gol, un joven con poderes extraordinarios y extremadamente seductor. El encuentro no ha pasado desapercibido para la Bruja de las Landas, quien odia a Howl. Cuando Sophie vuelve a la tienda, la Bruja, la engaña y la hechiza, transformándola en una anciana que no puede revelar su verdadera identidad. Imposibilitada para decir quién es realmente se ve obligada a abandonar su casa y decide entonces buscar a Howl para que le ayude a romper el hechizo. Howl vive en un “castillo mágico” que se traslada a voluntad de su dueño. Sophie se adentra en lo desconocido, en busca del castillo ambulante, perdiéndose en tierras desoladas.
+CORUÑA
Una nueva demostración de que la animación no es solo cosa de niños. El maestro Miyazaki nos vuelve a llevar a su país de las maravillas para mostrarnos otro de sus mundos llenos de personajes mágicos. Una mezcla de fantasía, aventura, alegato pacifista e historia de amor que harán las delicias de grandes y pequeños, aunque a estos les cueste seguir la complejidad argumental de las obras del maestro.
TIRANTE EL BLANCO
Director: Vicente Aranda.Nacionalidad: España, Reino Unido e Italia. Aventuras, romanceReparto: Caspar Zafer (Tirante el Blanco), Esther Nubiola (Carmesina), Leonor Watling (Placerdemivida), Ingrid Rubio (Estefanía), Charlie Cox (Diafebus), Victoria Abril (Viuda Reposada), Giancalo Giannini (Emperador), Jane Asher (Emperatriz), Sid Mitchel (Hipólito), Rafael Amargo (El Gran turco).
TRAMA
El caballero Tirante recibe el encargo del Emperador de Bizancio para que le libere del asedio de los turcos. Tirante no defrauda las esperanzas. Sabe vencer y vence, y a continuación ha de utilizar su victoria para vencer la oposición de Carmesina a entregar aquello que considera más íntimo: su virginidad. La relación de esta pretensión íntima, orgánica e instintiva con los mecanismos del poder en el Imperio es evidente. Las mujeres de la corte se afanan por salvar el Imperio haciendo que se produzca el encuentro carnal. Mientras la Viuda Reposada lucha contra esta intención porque ella también está perdidamente enamorada de Tirante.
+CORUÑA
Vicente Aranda consigue llevar a puerto tras años intentándolo la famosa novela de caballería sobre Tirant le Blanc. La película tiene una carga erótica importante ya que toda la historia se hace girar sobre la pérdida de virginidad de la princesa. Con un reparto femenino de auténtico lujo, encabezado por Victoria Abril musa del director y unas excitantes Esther Nubiola, Leonor Watling e Ingrid Rubio. Con tanta artillería no hay caballero que resista.
¿q tal pussycat?
¿Qué tal, Pussycat? 1965 (What´s new, Pussycat?)
Director: Clive Donner Guionista: Woody Allen Intérpretes: Peter O´Toole, Peter Sellers, Woody Allen, Ursula Andress, Romy Schneider, Capucine. Nominada al Oscar por la canción What´s new, Pussycat, de B. Bacharach y Hal Davis.
Que se puede decir de una película que pone juntos en la pantalla al incomparable Woody Allen y al inimitable Peter Sellers, pues que es toda una locura, una bendita locura. Tras su experiencia en el televisión, con esta película Allen tuvo su debut cinematográfico, contando con un reparto extraordinario. Cuenta la leyenda que una noche de 1964, en el local Blue Angel, Shirley MacLaine y el productor C.F.Feldman, rieron sin parar con una de las actuaciones de Allen, que al día siguiente ya tenía la propuesta de hacer esta película, que aceptó a cambio de 35000$ y un papel como actor.
Esta alocada y pícara comedia nos presenta a Michael James, reputado playboy, director de la más prestigiosa revista de moda parisina, siempre rodeado de problemáticas mujeres de tendencias muy promiscuas. Michael es incapaz de ser fiel a su prometida, en parte porque todas las mujeres a las que conoce experimentan una irresistible atracción por él. En un intento de enderezar su compleja vida amorosa, acude a buscar ayuda al Dr. Fritz Fassbender (Peter Sellers). Por desgracia para él (no para los espectadores), Fritz es un psiquiatra demencial cuya obsesión por el sexo es todavía mayor que la de Michael y que, en lugar de ayudarle a superar su problema, contribuirá a convertir su vida en una montaña rusa llena de situaciones propias de las películas de los hermanos Marx, de piernas bonitas y complicaciones sentimentales.
El film nos brinda la ocasión de disfrutar por primera vez como actor a Woody Allen como un asombroso personaje, con su torpeza y su dolor de vivir, con su timidez y sus dudas de individuo incomodado. Su aparición en el film es reveladora para el futuro de su cine, su personaje hacía trampas jugando al ajedrez en la Closerie des Lilas y un tal Peter O`Toole iba a robarle su novia, pero Woody Allen imponía su personaje, sus obsesiones, sus temas, sus torpezas y sus desdichas, que se convertirán en el sello de la casa.
La película no pasará a la historia del cine por su resultado global, sin embargo nos regala alguna que otra escena delirante. El retrato conseguido por Sellers de psiquiatra salido es impagable, con una escena inicial con su esposa acusándolo de adultero lascivo y Sellers buscando su significado en el diccionario, se recoge en numerosos libros de diálogos cinematográficos. Hilarante es también la stripper, aspirante a poetisa y suicida de vocación que acosa al protagonista. De igual manera que en la mente de todos quedará la frase “Es todo lo que me puedo permitir” que Allen espeta a O´Toole en relación a su trabajo como vestidor de las strippers, como culmen a un gag memorable.
Si hay algo que no se os olvidará fácilmente de esta película y que repetiréis hasta la saciedad es la frase que le da título, “What´s new pussycat?”. Por supuesto lo haréis al ritmo de la melodía del film y con la voz del personalísimo y omnipresente Tom Jones. En esta cancioncilla están gran parte de las razones que han hecho de esta película un objeto de culto para muchos cinéfilos. Woah, Woah, Woah….
Director: Clive Donner Guionista: Woody Allen Intérpretes: Peter O´Toole, Peter Sellers, Woody Allen, Ursula Andress, Romy Schneider, Capucine. Nominada al Oscar por la canción What´s new, Pussycat, de B. Bacharach y Hal Davis.
Que se puede decir de una película que pone juntos en la pantalla al incomparable Woody Allen y al inimitable Peter Sellers, pues que es toda una locura, una bendita locura. Tras su experiencia en el televisión, con esta película Allen tuvo su debut cinematográfico, contando con un reparto extraordinario. Cuenta la leyenda que una noche de 1964, en el local Blue Angel, Shirley MacLaine y el productor C.F.Feldman, rieron sin parar con una de las actuaciones de Allen, que al día siguiente ya tenía la propuesta de hacer esta película, que aceptó a cambio de 35000$ y un papel como actor.
Esta alocada y pícara comedia nos presenta a Michael James, reputado playboy, director de la más prestigiosa revista de moda parisina, siempre rodeado de problemáticas mujeres de tendencias muy promiscuas. Michael es incapaz de ser fiel a su prometida, en parte porque todas las mujeres a las que conoce experimentan una irresistible atracción por él. En un intento de enderezar su compleja vida amorosa, acude a buscar ayuda al Dr. Fritz Fassbender (Peter Sellers). Por desgracia para él (no para los espectadores), Fritz es un psiquiatra demencial cuya obsesión por el sexo es todavía mayor que la de Michael y que, en lugar de ayudarle a superar su problema, contribuirá a convertir su vida en una montaña rusa llena de situaciones propias de las películas de los hermanos Marx, de piernas bonitas y complicaciones sentimentales.
El film nos brinda la ocasión de disfrutar por primera vez como actor a Woody Allen como un asombroso personaje, con su torpeza y su dolor de vivir, con su timidez y sus dudas de individuo incomodado. Su aparición en el film es reveladora para el futuro de su cine, su personaje hacía trampas jugando al ajedrez en la Closerie des Lilas y un tal Peter O`Toole iba a robarle su novia, pero Woody Allen imponía su personaje, sus obsesiones, sus temas, sus torpezas y sus desdichas, que se convertirán en el sello de la casa.
La película no pasará a la historia del cine por su resultado global, sin embargo nos regala alguna que otra escena delirante. El retrato conseguido por Sellers de psiquiatra salido es impagable, con una escena inicial con su esposa acusándolo de adultero lascivo y Sellers buscando su significado en el diccionario, se recoge en numerosos libros de diálogos cinematográficos. Hilarante es también la stripper, aspirante a poetisa y suicida de vocación que acosa al protagonista. De igual manera que en la mente de todos quedará la frase “Es todo lo que me puedo permitir” que Allen espeta a O´Toole en relación a su trabajo como vestidor de las strippers, como culmen a un gag memorable.
Si hay algo que no se os olvidará fácilmente de esta película y que repetiréis hasta la saciedad es la frase que le da título, “What´s new pussycat?”. Por supuesto lo haréis al ritmo de la melodía del film y con la voz del personalísimo y omnipresente Tom Jones. En esta cancioncilla están gran parte de las razones que han hecho de esta película un objeto de culto para muchos cinéfilos. Woah, Woah, Woah….
ELECTION, JOHNNIE TOO
ELECTION - JOHNNIE TOO
En ocasiones hay películas que pasan desapercibidas para luego ser descubiertas como pequeñas joyas. Uno de estos casos ha sucedido estas navidades ante el aluvión de producciones made in USA. La joya de la que habló no es otra que “Election” de Johnnie To, que aún viniendo avalada por el premio a la mejor dirección en Sitges, ha tenido que conformarse con cines pequeños y unas pocas semanas en cartel, pero el boca a boca hará que sobreviva en la mente de los aficionados al cine.
En el film se nos presenta el apasionante mundo de las triadas por medio del proceso que sucede cada dos años para los miembros más veteranos de la tríada más antigua de Hong Kong –la Wo Shing Society– de elegir a su nuevo líder. Dos son los candidatos, Lok, favorito para ganar y fiel seguidor de las tradiciones, y su rival, Big D, quien no duda de ir contra las tradiciones tratando de influenciar en el voto con el dinero y la violencia. La desaparición de un bastón de mando cuya posesión simboliza la jefatura de la triada complicara más las cosas.
Un elemento a destacar en el film, es que casi no se ven armas de fuego, lo cual responde al deseo del director de dotar a la película del mayor realismo y similitud con los hábitos de las triadas, las cuales en raras ocasiones acuden a la contratación de profesionales para la resolución de sus asuntos. De igual forma las personas que forman dichas sociedades son de lo más normal y vulgar sin ese toque artificial de sofisticación tan repetido en otros films. Estos tipos resuelven sus diferencias a golpes, navajazos o pedradas.
Dentro de este realismo hay que destacar la labor de documentación de To, quien además de leer todo tipo de libros sobre las triadas y sus rituales se entrevistó con muchos de los líderes locales para recabar información de primera mano. Como anécdota decir que varios de los miembros de la triada que salen en el film lo son realmente en la vida real.
El film si nos muestra una realidad, la desaparición del respeto a las tradiciones por parte de los jóvenes, quienes actúan con violencia desmedida y únicamente movidos por el dinero sin regirse por esa ética que siempre ha estado presente en estas instituciones. Sirve el film para demostrar que tampoco las autoridades chinas han sido capaces de acabar con la organización, la cual forma parte de la realidad de Hong Kong y es bien conocida por las autoridades locales. Además el film está lleno de escenas cargadas de humor negro y crudeza hilvanadas al ritmo de la música, hecho que nos hace sentirnos ante lo que bien podríamos llamar el Reservoir Dogs Hongkonés, el cual recomiendo que veáis y disfrutéis bien en el cine o en el socorrido dvd. Todo para poder responder la pregunta “¿Podrá la Wo Shing Society mantener el equilibrio entre sus métodos tradicionales de fraternidad y el mundo de los negocios del siglo XXI?”
En ocasiones hay películas que pasan desapercibidas para luego ser descubiertas como pequeñas joyas. Uno de estos casos ha sucedido estas navidades ante el aluvión de producciones made in USA. La joya de la que habló no es otra que “Election” de Johnnie To, que aún viniendo avalada por el premio a la mejor dirección en Sitges, ha tenido que conformarse con cines pequeños y unas pocas semanas en cartel, pero el boca a boca hará que sobreviva en la mente de los aficionados al cine.
En el film se nos presenta el apasionante mundo de las triadas por medio del proceso que sucede cada dos años para los miembros más veteranos de la tríada más antigua de Hong Kong –la Wo Shing Society– de elegir a su nuevo líder. Dos son los candidatos, Lok, favorito para ganar y fiel seguidor de las tradiciones, y su rival, Big D, quien no duda de ir contra las tradiciones tratando de influenciar en el voto con el dinero y la violencia. La desaparición de un bastón de mando cuya posesión simboliza la jefatura de la triada complicara más las cosas.
Un elemento a destacar en el film, es que casi no se ven armas de fuego, lo cual responde al deseo del director de dotar a la película del mayor realismo y similitud con los hábitos de las triadas, las cuales en raras ocasiones acuden a la contratación de profesionales para la resolución de sus asuntos. De igual forma las personas que forman dichas sociedades son de lo más normal y vulgar sin ese toque artificial de sofisticación tan repetido en otros films. Estos tipos resuelven sus diferencias a golpes, navajazos o pedradas.
Dentro de este realismo hay que destacar la labor de documentación de To, quien además de leer todo tipo de libros sobre las triadas y sus rituales se entrevistó con muchos de los líderes locales para recabar información de primera mano. Como anécdota decir que varios de los miembros de la triada que salen en el film lo son realmente en la vida real.
El film si nos muestra una realidad, la desaparición del respeto a las tradiciones por parte de los jóvenes, quienes actúan con violencia desmedida y únicamente movidos por el dinero sin regirse por esa ética que siempre ha estado presente en estas instituciones. Sirve el film para demostrar que tampoco las autoridades chinas han sido capaces de acabar con la organización, la cual forma parte de la realidad de Hong Kong y es bien conocida por las autoridades locales. Además el film está lleno de escenas cargadas de humor negro y crudeza hilvanadas al ritmo de la música, hecho que nos hace sentirnos ante lo que bien podríamos llamar el Reservoir Dogs Hongkonés, el cual recomiendo que veáis y disfrutéis bien en el cine o en el socorrido dvd. Todo para poder responder la pregunta “¿Podrá la Wo Shing Society mantener el equilibrio entre sus métodos tradicionales de fraternidad y el mundo de los negocios del siglo XXI?”
domingo, 12 de agosto de 2007
guauuuu
BARBARELLA
Título original: BarbarellaDirector: Roger VadimInterpretes: Jane Fonda (Barbarella), John Philip Law ( Pygar el Angel), Ugo Tognazzi (Marc Hard), Milo O'Shea (Duran Duran)
Que contar de la película más kitch de toda la ciencia ficción. Un film cuyo comienzo y quizás momento más memorable no es otro que el streptease espacial en gravedad cero de toda una diva como Jane Fonda.
Basada en la serie de Comics de Jean Claude Forest y concretamente la película adapta parte de Drole de Jeux, publicado en V MAGAZINE en 1963. Hay que reconocer que la peli en si no es gran cosa vista hoy en día y que el argumento deja mucho que desear.
Barbarella, astronavigatrix en permanente viaje de placer, recibe una misión del presidente de la República Terrestre, lugar lleno de armonía y amor (¿?). Tiene que encontrar al desaparecido Dr. Duran Duran (sí, el grupo tiene el nombre por este personaje y eso explica muchas cosas), creador del rayo positrónico y que puede hacer renacer la guerra en el universo. En su búsqueda Barbarella chocará con personajes de lo más freak, hasta llegar a la ciudad de Sogo (sodoma y gomorra en versión psicodélica) gobernada por el Tirano Negro y sita sobre un lago vivo y lleno de mal, el Matmos, donde se esconde Duran Duran y su secreto.
La estética es sencillamente genial por su "plasticidad", el espacio parece un viaje de ácido, los vestuarios son originales y extravagantes, y que decir de la nave espacial forrada entera de pelo en su interior, con un cuadro de Monet y cama transparente. El vestuario de Barbarella merece mención especial porque viste 8 modelitos de Rabanne a cual más sensual. Parece que la preocupación de Vadim, marido de Fonda, era desnudar a su mujer sin que se vea todo pero que se intuya. Así en sus trajes predominan las transparencias, la escasez de tela y el talle ajustado.
De los personajes solo decir que están muy claros, el malo es muy malo (Duran Duran y la Reina), el bueno es muy bueno (el ángel Pygar), el macho es muy macho (el vigilante) y la fémina es muy fémina. Y la estrella es sin duda Jane Fonda, quien borda el papel de Barbarella, dándole el punto perfecto entre la inocencia de una virgen desatada y una James Bond galáctica, que hace que Barbarella esté como esté, siempre fantástica (ya se la coman a mordiscos los muñecos de unos odiosos niños o sea atravesada a picotazos por unos nada dulces pajaritos).
Un punto de inflexión en la trama y para el desarrollo del film es el momento en que Barbarella descubre el amor físico, lo que hace que no quiera hacerlo de otra manera. Este hecho es fundamental cuando Duran intenta matar a Barbarella, con su máquina que produce múltiples orgasmos hasta matarte de placer. Pero Barbarella es tan fuerte que quema la máquina y Duran sólo tiene una respuesta: ¿qué clase de mujer eres?, ¿es que no tienes vergüenza?.
En definitiva psicodelia pura y dura para una película que no deja de ser una comedia espacial con un componente erótico para una época llena de tabúes sexuales y en la que una espectacular Jane Fonda deja sin hipo a cualquiera.
Título original: BarbarellaDirector: Roger VadimInterpretes: Jane Fonda (Barbarella), John Philip Law ( Pygar el Angel), Ugo Tognazzi (Marc Hard), Milo O'Shea (Duran Duran)
Que contar de la película más kitch de toda la ciencia ficción. Un film cuyo comienzo y quizás momento más memorable no es otro que el streptease espacial en gravedad cero de toda una diva como Jane Fonda.
Basada en la serie de Comics de Jean Claude Forest y concretamente la película adapta parte de Drole de Jeux, publicado en V MAGAZINE en 1963. Hay que reconocer que la peli en si no es gran cosa vista hoy en día y que el argumento deja mucho que desear.
Barbarella, astronavigatrix en permanente viaje de placer, recibe una misión del presidente de la República Terrestre, lugar lleno de armonía y amor (¿?). Tiene que encontrar al desaparecido Dr. Duran Duran (sí, el grupo tiene el nombre por este personaje y eso explica muchas cosas), creador del rayo positrónico y que puede hacer renacer la guerra en el universo. En su búsqueda Barbarella chocará con personajes de lo más freak, hasta llegar a la ciudad de Sogo (sodoma y gomorra en versión psicodélica) gobernada por el Tirano Negro y sita sobre un lago vivo y lleno de mal, el Matmos, donde se esconde Duran Duran y su secreto.
La estética es sencillamente genial por su "plasticidad", el espacio parece un viaje de ácido, los vestuarios son originales y extravagantes, y que decir de la nave espacial forrada entera de pelo en su interior, con un cuadro de Monet y cama transparente. El vestuario de Barbarella merece mención especial porque viste 8 modelitos de Rabanne a cual más sensual. Parece que la preocupación de Vadim, marido de Fonda, era desnudar a su mujer sin que se vea todo pero que se intuya. Así en sus trajes predominan las transparencias, la escasez de tela y el talle ajustado.
De los personajes solo decir que están muy claros, el malo es muy malo (Duran Duran y la Reina), el bueno es muy bueno (el ángel Pygar), el macho es muy macho (el vigilante) y la fémina es muy fémina. Y la estrella es sin duda Jane Fonda, quien borda el papel de Barbarella, dándole el punto perfecto entre la inocencia de una virgen desatada y una James Bond galáctica, que hace que Barbarella esté como esté, siempre fantástica (ya se la coman a mordiscos los muñecos de unos odiosos niños o sea atravesada a picotazos por unos nada dulces pajaritos).
Un punto de inflexión en la trama y para el desarrollo del film es el momento en que Barbarella descubre el amor físico, lo que hace que no quiera hacerlo de otra manera. Este hecho es fundamental cuando Duran intenta matar a Barbarella, con su máquina que produce múltiples orgasmos hasta matarte de placer. Pero Barbarella es tan fuerte que quema la máquina y Duran sólo tiene una respuesta: ¿qué clase de mujer eres?, ¿es que no tienes vergüenza?.
En definitiva psicodelia pura y dura para una película que no deja de ser una comedia espacial con un componente erótico para una época llena de tabúes sexuales y en la que una espectacular Jane Fonda deja sin hipo a cualquiera.
genial sellers
¿Qué tal, Pussycat? 1965 (What´s new, Pussycat?)
Director: Clive Donner Guionista: Woody Allen Intérpretes: Peter O´Toole, Peter Sellers, Woody Allen, Ursula Andress, Romy Schneider, Capucine. Nominada al Oscar por la canción What´s new, Pussycat, de B. Bacharach y Hal Davis.
Que se puede decir de una película que pone juntos en la pantalla al incomparable Woody Allen y al inimitable Peter Sellers, pues que es toda una locura, una bendita locura. Tras su experiencia en el televisión, con esta película Allen tuvo su debut cinematográfico, contando con un reparto extraordinario. Cuenta la leyenda que una noche de 1964, en el local Blue Angel, Shirley MacLaine y el productor C.F.Feldman, rieron sin parar con una de las actuaciones de Allen, que al día siguiente ya tenía la propuesta de hacer esta película, que aceptó a cambio de 35000$ y un papel como actor.
Esta alocada y pícara comedia nos presenta a Michael James, reputado playboy, director de la más prestigiosa revista de moda parisina, siempre rodeado de problemáticas mujeres de tendencias muy promiscuas. Michael es incapaz de ser fiel a su prometida, en parte porque todas las mujeres a las que conoce experimentan una irresistible atracción por él. En un intento de enderezar su compleja vida amorosa, acude a buscar ayuda al Dr. Fritz Fassbender (Peter Sellers). Por desgracia para él (no para los espectadores), Fritz es un psiquiatra demencial cuya obsesión por el sexo es todavía mayor que la de Michael y que, en lugar de ayudarle a superar su problema, contribuirá a convertir su vida en una montaña rusa llena de situaciones propias de las películas de los hermanos Marx, de piernas bonitas y complicaciones sentimentales.
El film nos brinda la ocasión de disfrutar por primera vez como actor a Woody Allen como un asombroso personaje, con su torpeza y su dolor de vivir, con su timidez y sus dudas de individuo incomodado. Su aparición en el film es reveladora para el futuro de su cine, su personaje hacía trampas jugando al ajedrez en la Closerie des Lilas y un tal Peter O`Toole iba a robarle su novia, pero Woody Allen imponía su personaje, sus obsesiones, sus temas, sus torpezas y sus desdichas, que se convertirán en el sello de la casa.
La película no pasará a la historia del cine por su resultado global, sin embargo nos regala alguna que otra escena delirante. El retrato conseguido por Sellers de psiquiatra salido es impagable, con una escena inicial con su esposa acusándolo de adultero lascivo y Sellers buscando su significado en el diccionario, se recoge en numerosos libros de diálogos cinematográficos. Hilarante es también la stripper, aspirante a poetisa y suicida de vocación que acosa al protagonista. De igual manera que en la mente de todos quedará la frase “Es todo lo que me puedo permitir” que Allen espeta a O´Toole en relación a su trabajo como vestidor de las strippers, como culmen a un gag memorable.
Si hay algo que no se os olvidará fácilmente de esta película y que repetiréis hasta la saciedad es la frase que le da título, “What´s new pussycat?”. Por supuesto lo haréis al ritmo de la melodía del film y con la voz del personalísimo y omnipresente Tom Jones. En esta cancioncilla están gran parte de las razones que han hecho de esta película un objeto de culto para muchos cinéfilos. Woah, Woah, Woah….
Director: Clive Donner Guionista: Woody Allen Intérpretes: Peter O´Toole, Peter Sellers, Woody Allen, Ursula Andress, Romy Schneider, Capucine. Nominada al Oscar por la canción What´s new, Pussycat, de B. Bacharach y Hal Davis.
Que se puede decir de una película que pone juntos en la pantalla al incomparable Woody Allen y al inimitable Peter Sellers, pues que es toda una locura, una bendita locura. Tras su experiencia en el televisión, con esta película Allen tuvo su debut cinematográfico, contando con un reparto extraordinario. Cuenta la leyenda que una noche de 1964, en el local Blue Angel, Shirley MacLaine y el productor C.F.Feldman, rieron sin parar con una de las actuaciones de Allen, que al día siguiente ya tenía la propuesta de hacer esta película, que aceptó a cambio de 35000$ y un papel como actor.
Esta alocada y pícara comedia nos presenta a Michael James, reputado playboy, director de la más prestigiosa revista de moda parisina, siempre rodeado de problemáticas mujeres de tendencias muy promiscuas. Michael es incapaz de ser fiel a su prometida, en parte porque todas las mujeres a las que conoce experimentan una irresistible atracción por él. En un intento de enderezar su compleja vida amorosa, acude a buscar ayuda al Dr. Fritz Fassbender (Peter Sellers). Por desgracia para él (no para los espectadores), Fritz es un psiquiatra demencial cuya obsesión por el sexo es todavía mayor que la de Michael y que, en lugar de ayudarle a superar su problema, contribuirá a convertir su vida en una montaña rusa llena de situaciones propias de las películas de los hermanos Marx, de piernas bonitas y complicaciones sentimentales.
El film nos brinda la ocasión de disfrutar por primera vez como actor a Woody Allen como un asombroso personaje, con su torpeza y su dolor de vivir, con su timidez y sus dudas de individuo incomodado. Su aparición en el film es reveladora para el futuro de su cine, su personaje hacía trampas jugando al ajedrez en la Closerie des Lilas y un tal Peter O`Toole iba a robarle su novia, pero Woody Allen imponía su personaje, sus obsesiones, sus temas, sus torpezas y sus desdichas, que se convertirán en el sello de la casa.
La película no pasará a la historia del cine por su resultado global, sin embargo nos regala alguna que otra escena delirante. El retrato conseguido por Sellers de psiquiatra salido es impagable, con una escena inicial con su esposa acusándolo de adultero lascivo y Sellers buscando su significado en el diccionario, se recoge en numerosos libros de diálogos cinematográficos. Hilarante es también la stripper, aspirante a poetisa y suicida de vocación que acosa al protagonista. De igual manera que en la mente de todos quedará la frase “Es todo lo que me puedo permitir” que Allen espeta a O´Toole en relación a su trabajo como vestidor de las strippers, como culmen a un gag memorable.
Si hay algo que no se os olvidará fácilmente de esta película y que repetiréis hasta la saciedad es la frase que le da título, “What´s new pussycat?”. Por supuesto lo haréis al ritmo de la melodía del film y con la voz del personalísimo y omnipresente Tom Jones. En esta cancioncilla están gran parte de las razones que han hecho de esta película un objeto de culto para muchos cinéfilos. Woah, Woah, Woah….
ELECTION, JOHNNIE TOO
En ocasiones hay películas que pasan desapercibidas para luego ser descubiertas como pequeñas joyas. Uno de estos casos ha sucedido estas navidades ante el aluvión de producciones made in USA. La joya de la que habló no es otra que “Election” de Johnnie To, que aún viniendo avalada por el premio a la mejor dirección en Sitges, ha tenido que conformarse con cines pequeños y unas pocas semanas en cartel, pero el boca a boca hará que sobreviva en la mente de los aficionados al cine.
En el film se nos presenta el apasionante mundo de las triadas por medio del proceso que sucede cada dos años para los miembros más veteranos de la tríada más antigua de Hong Kong –la Wo Shing Society– de elegir a su nuevo líder. Dos son los candidatos, Lok, favorito para ganar y fiel seguidor de las tradiciones, y su rival, Big D, quien no duda de ir contra las tradiciones tratando de influenciar en el voto con el dinero y la violencia. La desaparición de un bastón de mando cuya posesión simboliza la jefatura de la triada complicara más las cosas.
Un elemento a destacar en el film, es que casi no se ven armas de fuego, lo cual responde al deseo del director de dotar a la película del mayor realismo y similitud con los hábitos de las triadas, las cuales en raras ocasiones acuden a la contratación de profesionales para la resolución de sus asuntos. De igual forma las personas que forman dichas sociedades son de lo más normal y vulgar sin ese toque artificial de sofisticación tan repetido en otros films. Estos tipos resuelven sus diferencias a golpes, navajazos o pedradas.
Dentro de este realismo hay que destacar la labor de documentación de To, quien además de leer todo tipo de libros sobre las triadas y sus rituales se entrevistó con muchos de los líderes locales para recabar información de primera mano. Como anécdota decir que varios de los miembros de la triada que salen en el film lo son realmente en la vida real.
El film si nos muestra una realidad, la desaparición del respeto a las tradiciones por parte de los jóvenes, quienes actúan con violencia desmedida y únicamente movidos por el dinero sin regirse por esa ética que siempre ha estado presente en estas instituciones. Sirve el film para demostrar que tampoco las autoridades chinas han sido capaces de acabar con la organización, la cual forma parte de la realidad de Hong Kong y es bien conocida por las autoridades locales. Además el film está lleno de escenas cargadas de humor negro y crudeza hilvanadas al ritmo de la música, hecho que nos hace sentirnos ante lo que bien podríamos llamar el Reservoir Dogs Hongkonés, el cual recomiendo que veáis y disfrutéis bien en el cine o en el socorrido dvd. Todo para poder responder la pregunta “¿Podrá la Wo Shing Society mantener el equilibrio entre sus métodos tradicionales de fraternidad y el mundo de los negocios del siglo XXI?”
En el film se nos presenta el apasionante mundo de las triadas por medio del proceso que sucede cada dos años para los miembros más veteranos de la tríada más antigua de Hong Kong –la Wo Shing Society– de elegir a su nuevo líder. Dos son los candidatos, Lok, favorito para ganar y fiel seguidor de las tradiciones, y su rival, Big D, quien no duda de ir contra las tradiciones tratando de influenciar en el voto con el dinero y la violencia. La desaparición de un bastón de mando cuya posesión simboliza la jefatura de la triada complicara más las cosas.
Un elemento a destacar en el film, es que casi no se ven armas de fuego, lo cual responde al deseo del director de dotar a la película del mayor realismo y similitud con los hábitos de las triadas, las cuales en raras ocasiones acuden a la contratación de profesionales para la resolución de sus asuntos. De igual forma las personas que forman dichas sociedades son de lo más normal y vulgar sin ese toque artificial de sofisticación tan repetido en otros films. Estos tipos resuelven sus diferencias a golpes, navajazos o pedradas.
Dentro de este realismo hay que destacar la labor de documentación de To, quien además de leer todo tipo de libros sobre las triadas y sus rituales se entrevistó con muchos de los líderes locales para recabar información de primera mano. Como anécdota decir que varios de los miembros de la triada que salen en el film lo son realmente en la vida real.
El film si nos muestra una realidad, la desaparición del respeto a las tradiciones por parte de los jóvenes, quienes actúan con violencia desmedida y únicamente movidos por el dinero sin regirse por esa ética que siempre ha estado presente en estas instituciones. Sirve el film para demostrar que tampoco las autoridades chinas han sido capaces de acabar con la organización, la cual forma parte de la realidad de Hong Kong y es bien conocida por las autoridades locales. Además el film está lleno de escenas cargadas de humor negro y crudeza hilvanadas al ritmo de la música, hecho que nos hace sentirnos ante lo que bien podríamos llamar el Reservoir Dogs Hongkonés, el cual recomiendo que veáis y disfrutéis bien en el cine o en el socorrido dvd. Todo para poder responder la pregunta “¿Podrá la Wo Shing Society mantener el equilibrio entre sus métodos tradicionales de fraternidad y el mundo de los negocios del siglo XXI?”
domingo, 8 de julio de 2007
zx
Título: Quadrophenia
Año: 1979
Director: Franc Roddam
Guión: Dave Humphries, Franc Roddam, Martin Stellman
Intérpretes: Phil Daniels, Leslie Ash, Philip Davis, Mark Wingett, Sting, Ray Winstone
Hablar de Quadrophenia es hablar sobre The Who, banda “oficial” de los Mods, a pesar de que sus miembros no lo eran. La idea de Townshend era crear una ópera-rock basándose en los miembros del grupo pero al final creó un álbum que sería la banda de sonora y base de un film. Su anterior experiencia cinematográfica no fue satisfactoria, pero esta vez escogieron a Franc Roddam, quien en su debut hizo un trabajo sobrio pero correcto que permitió que Quadrophenia no haya perdido su fuerza con los años.
La película nos sitúa en la Inglaterra de 1964, en pleno auge de grupos como los mods, elegantemente vestidos sobre sus scooters relucientes, o los rockers. El protagonista, Jimmy, es el chico de los recados en una agencia de publicidad, pero es un mod, alguien importante, pertenece a una nueva generación cuyos símbolos son la música, la vestimenta cuidada, las pastillas y sobretodo, su scooter, Su lambretta es su tesoro y sus rivales son los rockers, aunque su mejor amigo lo sea. Fuera del trabajo todo son fiestas, música, drogas y sexo.
Tal vez Quadrophenia ha resistido el paso del tiempo gracias a que no se centra en los Mods y los Rockers, sino en “el trauma de la adolescencia”. El film cuenta la historia de Jimmy, un adolescente que está buscándose. Para ello debe atravesar todas las etapas propias de la adolescencia: su relación con las mujeres, el enfrentamiento con su familia, las drogas, la pertenencia a un grupo y su rivalidad con el otro, el trabajo, la importancia del look, etc. Todo afectará y perfilará la personalidad de Jimmy.
En Brighton cree encontrar el “sentido de su vida”, se siente popular, es aceptado, se pelea con los rockers, consigue a la chica y tras ese subidón acaba en el calabozo. Pero la vuelta al mundo real trae consigo una espiral descendente donde tras un golpe viene otro peor. Lo echan de la casa, deja el trabajo, su chica se va con su mejor amigo, se pelea con sus amigos, y como golpe de gracia un camión destruye su moto. Esto le hace volver a Brighton en busca de algo pero lo único que descubre es que el mítico Ace no es más que un simple botones de hotel. Su mundo se rompe y roba la moto de Ace y……. aquí empieza el debate.
¿Saltó o no junto con la moto por los acantilados?, ¿se suicida o rompe con su mundo porque se da cuenta de la farsa? Para algunos el suicidio es claro, para mi Quadrophenia va más allá como una película radicalmente antimod, antirocker, antigrupo en definitiva
El mundo en el que vive Jimmy es un globo que se desinfla. Cuando descubre la verdad sobre su ídolo, algo en su interior estalla de rabia, alcanza un punto de lucidez y rompe con su mundo al arrojar la moto por el acantilado y verla caer lentamente, destruyendo un símbolo del vacío e inutilidad del mundo reducido a una estética. El verdadero final del film es su comienzo, Jimmy camina al contraluz de una puesta de sol por esos mismos acantilados presentes en la escena final. Todo es un flash back desde que Jimmy rompe con su universo mod.
Quadrophenia dirige su mensaje contra las propuestas meramente estéticas. La música, la ropa, las actitudes y también las palabras no significan nada si detrás no existe un algo, una idea, un objetivo o un proyecto que suponga un plan de vida.
Año: 1979
Director: Franc Roddam
Guión: Dave Humphries, Franc Roddam, Martin Stellman
Intérpretes: Phil Daniels, Leslie Ash, Philip Davis, Mark Wingett, Sting, Ray Winstone
Hablar de Quadrophenia es hablar sobre The Who, banda “oficial” de los Mods, a pesar de que sus miembros no lo eran. La idea de Townshend era crear una ópera-rock basándose en los miembros del grupo pero al final creó un álbum que sería la banda de sonora y base de un film. Su anterior experiencia cinematográfica no fue satisfactoria, pero esta vez escogieron a Franc Roddam, quien en su debut hizo un trabajo sobrio pero correcto que permitió que Quadrophenia no haya perdido su fuerza con los años.
La película nos sitúa en la Inglaterra de 1964, en pleno auge de grupos como los mods, elegantemente vestidos sobre sus scooters relucientes, o los rockers. El protagonista, Jimmy, es el chico de los recados en una agencia de publicidad, pero es un mod, alguien importante, pertenece a una nueva generación cuyos símbolos son la música, la vestimenta cuidada, las pastillas y sobretodo, su scooter, Su lambretta es su tesoro y sus rivales son los rockers, aunque su mejor amigo lo sea. Fuera del trabajo todo son fiestas, música, drogas y sexo.
Tal vez Quadrophenia ha resistido el paso del tiempo gracias a que no se centra en los Mods y los Rockers, sino en “el trauma de la adolescencia”. El film cuenta la historia de Jimmy, un adolescente que está buscándose. Para ello debe atravesar todas las etapas propias de la adolescencia: su relación con las mujeres, el enfrentamiento con su familia, las drogas, la pertenencia a un grupo y su rivalidad con el otro, el trabajo, la importancia del look, etc. Todo afectará y perfilará la personalidad de Jimmy.
En Brighton cree encontrar el “sentido de su vida”, se siente popular, es aceptado, se pelea con los rockers, consigue a la chica y tras ese subidón acaba en el calabozo. Pero la vuelta al mundo real trae consigo una espiral descendente donde tras un golpe viene otro peor. Lo echan de la casa, deja el trabajo, su chica se va con su mejor amigo, se pelea con sus amigos, y como golpe de gracia un camión destruye su moto. Esto le hace volver a Brighton en busca de algo pero lo único que descubre es que el mítico Ace no es más que un simple botones de hotel. Su mundo se rompe y roba la moto de Ace y……. aquí empieza el debate.
¿Saltó o no junto con la moto por los acantilados?, ¿se suicida o rompe con su mundo porque se da cuenta de la farsa? Para algunos el suicidio es claro, para mi Quadrophenia va más allá como una película radicalmente antimod, antirocker, antigrupo en definitiva
El mundo en el que vive Jimmy es un globo que se desinfla. Cuando descubre la verdad sobre su ídolo, algo en su interior estalla de rabia, alcanza un punto de lucidez y rompe con su mundo al arrojar la moto por el acantilado y verla caer lentamente, destruyendo un símbolo del vacío e inutilidad del mundo reducido a una estética. El verdadero final del film es su comienzo, Jimmy camina al contraluz de una puesta de sol por esos mismos acantilados presentes en la escena final. Todo es un flash back desde que Jimmy rompe con su universo mod.
Quadrophenia dirige su mensaje contra las propuestas meramente estéticas. La música, la ropa, las actitudes y también las palabras no significan nada si detrás no existe un algo, una idea, un objetivo o un proyecto que suponga un plan de vida.
domingo, 27 de mayo de 2007
Granujas a todo ritmo The Blues Brothers
Año de producción: 1975Dirección: John LandisIntérpretes: John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, Aretha Franklin.Guión: Dan Aykroyd, John LandisMúsica: Elmer Bernstein
James Brown, John Lee Hooker, Ray Charles, Cab Calloway, Aretha Franklin, Dan Aykroyd y John Belushi son parte de los ingredientes de este coctel lleno de blues y soul, la historia y la leyenda de los míticos Blues Brothers, dos hombres con trajes y sombreros negros y gafas de sol oscuras a los que el blues hermanó.
Jake, que acaba de salir de la cárcel, y Elwood Blues hacen una visita al orfanato de monjas que los crió, sobre el que pesa la amenaza de desahucio a no ser que las monjas reunan 5000 dólares. Mientras asisten a la misa celebrada por el padre Cleophus James, Jake es iluminado: deben reunir a la vieja banda e irse de gira.
Este simple argumento sirvió a John Landis para crear un film de culto, esto y un par de cosas más. Dos cómicos irrepetibles y en estado de gracia, a los que Saturday nigth live había descubierto y lanzado a la fama. Unos diálogos lacónicos, pasotas y graciosos, con frases antológicas. Unas persecuciones de coches dignas de Burt Reynolds. Y unos increíbles números musicales protagonizados por todo el star system del blues.
Desde el comienzo Jake y Elwood hablan de la reunión de la banda como de una misión divina y no dudan en hacer todo lo necesario para lograr su objetivo. De esta manera el film se convierte en una carrera desenfrenada a la que se suman todo tipo de personajes, desde la exnovia de Jake, un conjunto de cowboys, un grupo nazi y la más larga cola de coches de policía que se ha visto en el cine. Tras de sí van dejando un montón de ruinas y en ningún momento se les ocurre volver la vista atrás, porque solo piensan en presente sin importarles las consecuencias.
La película tampoco desaprovecha la ocasión de atacar al establishment blanco, al tiempo que caricaturiza al orden público con una esperpéntica galería de agentes de la ley y la especial afición de los hermanos Blues por infringir normas de tráfico.
Son incontables las escenas memorables, desde el sermón musical de James Brown hasta la impresionante Aretha al grito de “Respect” en la cafetería, pasando por la surrealista actuación en la tienda country a la visita a la sauna para la organización del concierto final. Sin embargo una de las mejores y muestra del talante pasota de Jake y Elwood así como del espíritu de la película se produce con el continuo paso de trenes por la ventana de la habitación de Jake mientras ellos intercambian estas frases –“¿Cuántas veces pasa el tren?” –Jake “Tan a menudo que ni siquiera te darás cuenta”
Año de producción: 1975Dirección: John LandisIntérpretes: John Belushi, Dan Aykroyd, James Brown, Cab Calloway, Ray Charles, Aretha Franklin.Guión: Dan Aykroyd, John LandisMúsica: Elmer Bernstein
James Brown, John Lee Hooker, Ray Charles, Cab Calloway, Aretha Franklin, Dan Aykroyd y John Belushi son parte de los ingredientes de este coctel lleno de blues y soul, la historia y la leyenda de los míticos Blues Brothers, dos hombres con trajes y sombreros negros y gafas de sol oscuras a los que el blues hermanó.
Jake, que acaba de salir de la cárcel, y Elwood Blues hacen una visita al orfanato de monjas que los crió, sobre el que pesa la amenaza de desahucio a no ser que las monjas reunan 5000 dólares. Mientras asisten a la misa celebrada por el padre Cleophus James, Jake es iluminado: deben reunir a la vieja banda e irse de gira.
Este simple argumento sirvió a John Landis para crear un film de culto, esto y un par de cosas más. Dos cómicos irrepetibles y en estado de gracia, a los que Saturday nigth live había descubierto y lanzado a la fama. Unos diálogos lacónicos, pasotas y graciosos, con frases antológicas. Unas persecuciones de coches dignas de Burt Reynolds. Y unos increíbles números musicales protagonizados por todo el star system del blues.
Desde el comienzo Jake y Elwood hablan de la reunión de la banda como de una misión divina y no dudan en hacer todo lo necesario para lograr su objetivo. De esta manera el film se convierte en una carrera desenfrenada a la que se suman todo tipo de personajes, desde la exnovia de Jake, un conjunto de cowboys, un grupo nazi y la más larga cola de coches de policía que se ha visto en el cine. Tras de sí van dejando un montón de ruinas y en ningún momento se les ocurre volver la vista atrás, porque solo piensan en presente sin importarles las consecuencias.
La película tampoco desaprovecha la ocasión de atacar al establishment blanco, al tiempo que caricaturiza al orden público con una esperpéntica galería de agentes de la ley y la especial afición de los hermanos Blues por infringir normas de tráfico.
Son incontables las escenas memorables, desde el sermón musical de James Brown hasta la impresionante Aretha al grito de “Respect” en la cafetería, pasando por la surrealista actuación en la tienda country a la visita a la sauna para la organización del concierto final. Sin embargo una de las mejores y muestra del talante pasota de Jake y Elwood así como del espíritu de la película se produce con el continuo paso de trenes por la ventana de la habitación de Jake mientras ellos intercambian estas frases –“¿Cuántas veces pasa el tren?” –Jake “Tan a menudo que ni siquiera te darás cuenta”
A pesar de tenerlo todo para triunfar en USA la crítica la recibió con todo tipo de palos y fue en Europa donde alcanzó el status que ostenta y se reconoció lo cool sus diálogos, consagrando a la pareja Aykroyd-Belushi y sus blues brothers teniendo que llevar a cabo una gira real que supuso la entrada en barrena de John hasta su fallecimiento en 1982.
Y como diría un blues brother “Estamos a 106 millas de Chicago, tenemos el depósito lleno, medio paquete de cigarrillos, es de noche y llevamos gafas de sol”.
“Tira”.
sábado, 26 de mayo de 2007
GOODBYE AMERICA
Cuando Elias Quejereta le traslado a su amigo Sergio Oskman la idea de hacer un largometraje sobre “Pacifica Radio”, una emisora pacifista e independiente de Nueva York, no contaba con encontrar allí a un nonagenario con una historia mejor, la suya. Ese hombre era el actor Al Lewis y el activista de izquierdas Albert Meister. Pero esos nombres no significan lo mismo que Grandpa de la familia Monster, ese vampiro narcisista que brillaba con luz propia en las mañanas de La Bola de Cristal. Y no tuvieron más remedio que contarla.
Al Lewis siempre será recordado como el abuelo monster pero detrás del vampiro hay más, un hombre que se presentó a gobernador por el partido verde, locutor de una radio pacifista desde donde agitó las conciencias de sus conciudadanos, ojeador de baloncesto, hostelero, doctor en psicología, pasajero de avión que desafió a Henry Kissinger, activista de izquierdas, y un testigo de la historia americana del siglo XX.
Oskman sitúa a Lewis frente a un espejo, maquillándose para la última actuación del monstruo que le llevó a la fama y que supo utilizar para expresar sus opiniones. Así mientras se transforma, Lewis repasa la Segunda Guerra Mundial, la caza de brujas, Vietnam, el 11-S, Irak… En definitiva los acontecimientos más importantes de la historia estadounidense reciente y un recorrido por la vida de un lúcido abuelo. Y en este punto descubrimos que hay personas que no envejecen, porque aunque el espejo muestre a un hombre viejo, el reflejo se equivoca. Algunas personas desafían al espejo devolviéndole una carcajada ya que el rostro que ven reflejado no es más que una caricatura de ellos mismos y las arrugas del rostro y el temblor de manos no son más que partes del disfraz.
Igual que el vampiro es la memoria del mundo, Al Lewis es la memoria de América, y como buen abuelo muestra el disgusto que tiene con su nieto y le hace saber su decepción en la hora de su despedida. Y en un acto de entereza, consumido por la enfermedad pero sonriente, con un largo puro en la boca, le pega el último tirón de orejas a su país.
Muchas gracias Grandpa.
Cuando Elias Quejereta le traslado a su amigo Sergio Oskman la idea de hacer un largometraje sobre “Pacifica Radio”, una emisora pacifista e independiente de Nueva York, no contaba con encontrar allí a un nonagenario con una historia mejor, la suya. Ese hombre era el actor Al Lewis y el activista de izquierdas Albert Meister. Pero esos nombres no significan lo mismo que Grandpa de la familia Monster, ese vampiro narcisista que brillaba con luz propia en las mañanas de La Bola de Cristal. Y no tuvieron más remedio que contarla.
Al Lewis siempre será recordado como el abuelo monster pero detrás del vampiro hay más, un hombre que se presentó a gobernador por el partido verde, locutor de una radio pacifista desde donde agitó las conciencias de sus conciudadanos, ojeador de baloncesto, hostelero, doctor en psicología, pasajero de avión que desafió a Henry Kissinger, activista de izquierdas, y un testigo de la historia americana del siglo XX.
Oskman sitúa a Lewis frente a un espejo, maquillándose para la última actuación del monstruo que le llevó a la fama y que supo utilizar para expresar sus opiniones. Así mientras se transforma, Lewis repasa la Segunda Guerra Mundial, la caza de brujas, Vietnam, el 11-S, Irak… En definitiva los acontecimientos más importantes de la historia estadounidense reciente y un recorrido por la vida de un lúcido abuelo. Y en este punto descubrimos que hay personas que no envejecen, porque aunque el espejo muestre a un hombre viejo, el reflejo se equivoca. Algunas personas desafían al espejo devolviéndole una carcajada ya que el rostro que ven reflejado no es más que una caricatura de ellos mismos y las arrugas del rostro y el temblor de manos no son más que partes del disfraz.
Igual que el vampiro es la memoria del mundo, Al Lewis es la memoria de América, y como buen abuelo muestra el disgusto que tiene con su nieto y le hace saber su decepción en la hora de su despedida. Y en un acto de entereza, consumido por la enfermedad pero sonriente, con un largo puro en la boca, le pega el último tirón de orejas a su país.
Muchas gracias Grandpa.
La cuadrilla de los once
Ocean´s Eleven
AÑO: 1960
PAÍS: USA
PRODUCTORA: Warner Bros Pictures
DIRECTOR: Lewis Milestone
REPARTO: Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Angie Dickinson, Richard Conte, Cesar Romero, Akim Tamiroff, Joey Bishop, Patrice Wymore, Henry Silva, Ilka Chase
Dice la leyenda “urbana” que a mediados de los cincuenta Lauren Bacall paseaba por un parque de Las Vegas cuando se encontró a un grupo de amigos tirados en el césped tras una desenfrenada jornada de juerga. Ante aquel espectáculo, les soltó “Parecéis un hatajo de ratas”. Y allí según las malas lenguas nació el mítico Rat Pack, porque aquellos tipos eran ni más ni menos que Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford, Sammy Davis Jr. y Joey Bishop. Bajo ese sobrenombre se conoció durante décadas a estos cinco conocidos hombre del mundo del espectáculo americano, triunfadores en el cine, la canción, la televisión y los show en vivo en los hoteles y casinos de Las Vegas. Su forma de vida incluía mucho más que canciones y bromas. Dentro del paquete iba sexo con bellas actrices como Marilyn Monroe, Kim Novak y Ava Gardner; juergas con políticos y capos de la Cosa Nostra; Jack Daniel’s a raudales y trajes de pelo de camello...
Y así como una forma de aprovechar su fama y continuar con la diversión nació el proyecto en 1960 de “La cuadrilla de los once”. La historia situaba a Danny Ocean y a diez de sus compañeros de armas la noche de año nuevo en Las Vegas con la intención de poner en uso sus habilidades financiados por un gángster un tanto especial, Spyros Acebos, para dar un golpe simultaneo en los casinos Sands, Desert Inn, Flamingo, Riviera y Sahara y hacerse con toda la recaudación. Este era el simple argumento con el que estos granujas se montaron un rodaje en la ciudad del juego.
La dirección de la tropa se le encargó al conocido y eficiente artesano Lewis Milestone y para acompañar en el reparto a esos cinco personajes se hecho mano de gente como Henry Silva (cuya carrera no avanzaba), Richard Benedict (protegido de Lewis), Richard Conte (quien actuaría años después en El padrino), Anthony Bergdof, la bellísima Angie Dickinson (tras enamorar a Dean Martin en Río Bravo) y el roba planos Akim Tamiroff como gángster , quien con su marcado acento ruso provocó problemas en el montaje del sonido. El film también tiene el honor de contar con un buen número de cameos. Entre ellos destaca el protagonizado por los músicos de Samy Davies Jr como los basureros que cantan con él y por encima de todos, el realizado por la actriz Shirley MacLaine, compañera de andanzas, cuya escena y diálogo con Dean Martin son totalmente improvisados, aunque este hecho se da en múltiples escenas de las protagonizadas por Sinatra, Martin y Samy.
El rodaje tuvo lugar durante las largas noches de enero y febrero de 1960 tras finalizar los show que varios de los miembros del Rat Pack mantenían en la ciudad del juego. Durante esas semanas, el grupo ofreció una serie de espectáculos que sólo pueden ser calificados como memorables, y en los que la música y las canciones se mezclaban en el escenario con bromas, chistes, y juegos entre ellos. Vestidos de etiqueta, atractivos, deseados, envidiados, con éxito y dinero, llenos de talento, bromistas, simpáticos, elegantes, hedonistas..., con un cigarrillo en una mano y con una copa en la otra, este clan llego a ser el símbolo casi perfecto de una forma de entender la vida al comienzo de los magníficos 60.
Fue una época de cambios en lo político y lo social, en la que USA abanderaba a Occidente, la Guerra fría se tornaba congelada, y la revolución estaba a la vuelta de la esquina. En esa montaña rusa, los Rat Pack se calzaron el mundo por montera. Con el cobijo del clan Kennedy y de las amistades italianas de Sinatra, al clan pareció no afectarle los cambios y mantuvieron un devenir lúdico y glamuroso lleno de lujo y diversión. Así mientras Dylan cantaba a los nuevos tiempos y buscaba respuestas en los vientos, los Rat Pack entonaban “el triste de mi” como fin de fiesta al son de las canciones de la Voz y sus acólitos con la creencia que todas las respuestas se encuentran en el bello cuerpo de una dama y en un buen trago de whisky.
Sinatra, príncipe de estos crooners y un prototipo de elegancia, hedonismo, diversión y... peligro, diría que llevaban “un estilo de vida a su manera”. Be a crooner
Ocean´s Eleven
AÑO: 1960
PAÍS: USA
PRODUCTORA: Warner Bros Pictures
DIRECTOR: Lewis Milestone
REPARTO: Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford, Angie Dickinson, Richard Conte, Cesar Romero, Akim Tamiroff, Joey Bishop, Patrice Wymore, Henry Silva, Ilka Chase
Dice la leyenda “urbana” que a mediados de los cincuenta Lauren Bacall paseaba por un parque de Las Vegas cuando se encontró a un grupo de amigos tirados en el césped tras una desenfrenada jornada de juerga. Ante aquel espectáculo, les soltó “Parecéis un hatajo de ratas”. Y allí según las malas lenguas nació el mítico Rat Pack, porque aquellos tipos eran ni más ni menos que Frank Sinatra, Dean Martin, Peter Lawford, Sammy Davis Jr. y Joey Bishop. Bajo ese sobrenombre se conoció durante décadas a estos cinco conocidos hombre del mundo del espectáculo americano, triunfadores en el cine, la canción, la televisión y los show en vivo en los hoteles y casinos de Las Vegas. Su forma de vida incluía mucho más que canciones y bromas. Dentro del paquete iba sexo con bellas actrices como Marilyn Monroe, Kim Novak y Ava Gardner; juergas con políticos y capos de la Cosa Nostra; Jack Daniel’s a raudales y trajes de pelo de camello...
Y así como una forma de aprovechar su fama y continuar con la diversión nació el proyecto en 1960 de “La cuadrilla de los once”. La historia situaba a Danny Ocean y a diez de sus compañeros de armas la noche de año nuevo en Las Vegas con la intención de poner en uso sus habilidades financiados por un gángster un tanto especial, Spyros Acebos, para dar un golpe simultaneo en los casinos Sands, Desert Inn, Flamingo, Riviera y Sahara y hacerse con toda la recaudación. Este era el simple argumento con el que estos granujas se montaron un rodaje en la ciudad del juego.
La dirección de la tropa se le encargó al conocido y eficiente artesano Lewis Milestone y para acompañar en el reparto a esos cinco personajes se hecho mano de gente como Henry Silva (cuya carrera no avanzaba), Richard Benedict (protegido de Lewis), Richard Conte (quien actuaría años después en El padrino), Anthony Bergdof, la bellísima Angie Dickinson (tras enamorar a Dean Martin en Río Bravo) y el roba planos Akim Tamiroff como gángster , quien con su marcado acento ruso provocó problemas en el montaje del sonido. El film también tiene el honor de contar con un buen número de cameos. Entre ellos destaca el protagonizado por los músicos de Samy Davies Jr como los basureros que cantan con él y por encima de todos, el realizado por la actriz Shirley MacLaine, compañera de andanzas, cuya escena y diálogo con Dean Martin son totalmente improvisados, aunque este hecho se da en múltiples escenas de las protagonizadas por Sinatra, Martin y Samy.
El rodaje tuvo lugar durante las largas noches de enero y febrero de 1960 tras finalizar los show que varios de los miembros del Rat Pack mantenían en la ciudad del juego. Durante esas semanas, el grupo ofreció una serie de espectáculos que sólo pueden ser calificados como memorables, y en los que la música y las canciones se mezclaban en el escenario con bromas, chistes, y juegos entre ellos. Vestidos de etiqueta, atractivos, deseados, envidiados, con éxito y dinero, llenos de talento, bromistas, simpáticos, elegantes, hedonistas..., con un cigarrillo en una mano y con una copa en la otra, este clan llego a ser el símbolo casi perfecto de una forma de entender la vida al comienzo de los magníficos 60.
Fue una época de cambios en lo político y lo social, en la que USA abanderaba a Occidente, la Guerra fría se tornaba congelada, y la revolución estaba a la vuelta de la esquina. En esa montaña rusa, los Rat Pack se calzaron el mundo por montera. Con el cobijo del clan Kennedy y de las amistades italianas de Sinatra, al clan pareció no afectarle los cambios y mantuvieron un devenir lúdico y glamuroso lleno de lujo y diversión. Así mientras Dylan cantaba a los nuevos tiempos y buscaba respuestas en los vientos, los Rat Pack entonaban “el triste de mi” como fin de fiesta al son de las canciones de la Voz y sus acólitos con la creencia que todas las respuestas se encuentran en el bello cuerpo de una dama y en un buen trago de whisky.
Sinatra, príncipe de estos crooners y un prototipo de elegancia, hedonismo, diversión y... peligro, diría que llevaban “un estilo de vida a su manera”. Be a crooner
miércoles, 23 de mayo de 2007
1997: Rescate en Nueva York
Escape from New York (AKA New York 1997) - 1981
DIRECTOR John Carpenter GUIÓN John Carpenter & Nick Castle
MÚSICA John Carpenter & Alan Howard. FOTOGRAFÍA Dean Cundey
REPARTO Kurt Russell, Lee Van Cleef, Ernest Borgnine, Donald Pleasence, Isaac Hayes, Season Hubley, Harry Dean Stanton, Adrienne Barbeau, Tom Atkins
Además de ser uno de los mejores trabajos de su director, “Escape from New York” supone una de las bases de la ciencia ficción contemporánea. Son muchos los motivos que convierten al film de Carpenter en un clásico desde su estreno en 1981. Uno de ellos es la impresionante escena de entrada: Es el año 1988 y el crimen se ha disparado en los EEUU, en una decisión sin precedentes la isla de Manhattan pasa a ser una prisión de máxima seguridad, aislada por un muro del exterior y donde los condenados son abandonados a suerte en un mundo sin reglas. Como la propia voz off señala “Quien entra no sale”. Acto seguido saltamos al año 1997, el mundo “civilizado” afronta una crisis mundial que puede acabar con la raza humana mientras en la megaprisión la barbarie y la anarquía dictan las leyes. En ese momento un ataque terrorista provoca que el avión del presidente de los EEUU se estrelle en Manhattan cayendo el líder del “mundo libre” en manos de una banda de reclusos cuyo único deseo es escapar. Ante la imposibilidad de lanzar una acción convencional, por miedo a que maten al presidente, se decide enviar a un hombre a rescatar al presidente en secreto. El elegido, "Serpiente" Plissken, un conocido convicto al que todos daban por muerto, pero que había sido capturado.
Escape from New York (AKA New York 1997) - 1981
DIRECTOR John Carpenter GUIÓN John Carpenter & Nick Castle
MÚSICA John Carpenter & Alan Howard. FOTOGRAFÍA Dean Cundey
REPARTO Kurt Russell, Lee Van Cleef, Ernest Borgnine, Donald Pleasence, Isaac Hayes, Season Hubley, Harry Dean Stanton, Adrienne Barbeau, Tom Atkins
Además de ser uno de los mejores trabajos de su director, “Escape from New York” supone una de las bases de la ciencia ficción contemporánea. Son muchos los motivos que convierten al film de Carpenter en un clásico desde su estreno en 1981. Uno de ellos es la impresionante escena de entrada: Es el año 1988 y el crimen se ha disparado en los EEUU, en una decisión sin precedentes la isla de Manhattan pasa a ser una prisión de máxima seguridad, aislada por un muro del exterior y donde los condenados son abandonados a suerte en un mundo sin reglas. Como la propia voz off señala “Quien entra no sale”. Acto seguido saltamos al año 1997, el mundo “civilizado” afronta una crisis mundial que puede acabar con la raza humana mientras en la megaprisión la barbarie y la anarquía dictan las leyes. En ese momento un ataque terrorista provoca que el avión del presidente de los EEUU se estrelle en Manhattan cayendo el líder del “mundo libre” en manos de una banda de reclusos cuyo único deseo es escapar. Ante la imposibilidad de lanzar una acción convencional, por miedo a que maten al presidente, se decide enviar a un hombre a rescatar al presidente en secreto. El elegido, "Serpiente" Plissken, un conocido convicto al que todos daban por muerto, pero que había sido capturado.
Pantalón de camuflaje, camiseta negra sin mangas, barba, melena y un parche en el ojo izquierdo son los rasgos físicos del antihéroe de voz susurrante. Cínico, descreído, individualista, seguro de sí mismo, impasible, desconfiado y muy resolutivo, Snake representa el otro lado de América, el antipatriota patriota, un nuevo arquetipo de héroe de acción.
Carpenter logró con un presupuesto de 7 millones de dólares un rotundo éxito en la taquilla además de un film de género imperecedero. Gracias a sus éxitos anteriores tuvo un amplio margen de libertad de acción, lo que le permitió escoger a los actores del film. Así frente a la opción de la productora que preferían a Charles Bronson o Clint Eastwood, Carpenter eligió a un novato en el cine de acción como Kurt Russel, quien gracias a este film reorientaría su carrera. Frente Snake, un antihéroe que no esta de acuerdo con el sistema pues lo ha sufrido, se sitúa como contrapunto el jefe de policía, interpretado por un impresionante Lee Van Cleef, que aún conociendo la injusticia en el sistema vive de él e intenta preservarlo a cualquier precio. Completan el reparto Ernest Borgnine, el taxista que ayuda a Plissken; Harry Dean como Cerebro, antiguo socio de Plissken; Adrienne Barbeau, la chica del film; Donald Pleasence en el papel de un presidente roñoso y rastrero que cuando no tiene el poder se convierte en un ser miserable; e Isaac Hayes como “el duque”, el líder de los presos.
Carpenter consigue por medio de esta extraña e inquietante fábula, donde la individualidad es sometida por un gobierno autoritario, presentarnos un futuro oscurantista y tenebroso realzado por una estética heredera del comic y una banda sonora repleta de sintetizadores. El mensaje crítico del film, osado y trasgresor, se mantiene actual debido al retroceso social y de libertad que está viviendo el mundo moderno y porque lo que cuenta muy bien podría suceder mañana.
domingo, 29 de abril de 2007
Design 3000 - shop of ideas
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En esta preciosa y colorida página podeis encontrar un chisme que colocado al tiempo q cargas el ipod en el enchufe, el querido cacharro este a resguardo de golpes varios.
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lunes, 16 de abril de 2007
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